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sábado, 4 de abril de 2020

Versiones: El cine en la música latina (Volumen 1)


Otra de las grandes pasiones de los amantes de la música es el cine, tanto como expresión audiovisual y estética del arte plasmado en ficción, como por la música que lo acompaña, las bandas sonoras, esas majestuosas creaciones con las cuales muchos de los clásicos del cine son memorables y eternos. 

La música latina, gracias a la pasión que siempre mueve a sus creadores, no es ajena al cine, o más bien, a la música de cine que ha marcado historia personal y colectiva para muchos compositores y talentosos músicos que han querido recrear y versionar sus bandas sonoras favoritas con base rítmica afrolatina. 

En este recuento, revisaremos algunas de las más resaltantes versiones de música de películas realizadas en nuestros géneros sabrosos. 

Comencemos!

***


(1966) Francis Lai - Un homme et une femme
(1968) Charlie Byrd - A mand and a woman
(2019) Eliane Elias - A man and a woman

"Un homme et une femme" de 1966. En esta cinta escrita y dirigida por el parisino Claude Lelouch y protagonizada por Anouk Aimée y Jean-Louis Trintignant, una joven viuda llamada Anne conoce al corredor de autos también viudo Jean-Louis, quienes a pesar de sus recientes pérdidas van logrando una relación de atracción y soledades compartidas. 

La película fue premiada con la Palma de Oro del Festival de Cannes y con el Oscar por Mejor Película Extranjera y por Mejor Guión. La música estuvo a cargo del brillante compositor nizardo Francis Lai, quien compuso también la banda sonora del film Love Story, que ganó el Oscar a Mejor Banda Sonora en 1970. 

El tema musical principal estuvo a cargo del cantautor y productor musical fallecido en el 2016, Pierre Barouh, quien la grabó al lado de la actriz, bailarina y cantante Nicole Croisille, reconocida por ser parte de la compañía de comedia del famoso mimo Marcel Marceaud. 


De las muchas versiones que sigue teniendo este clásico de la música para cine, sobresale la del guitarrista nacido en Virginia Charlie Byrd, en clave de bossa nova, tema que incluyó en su álbum "Hit Trip", producido para el sello Columbia por el saxofonista, compositor y productor discográfico Teo Macero, recordado por haber sido compañero, cofundador y productor del gigante Charles Mingus. 


Una de las más recientes y exquisitas versiones es la de la maestra pianista, compositora y arreglista brasileña Eliane Elias, quien incluyó el tema en su álbum de 2019 "Love Stories", producido por Marc Johnson y Steve Rodby para el sello Concord, grabado en los emblemáticos Abbey Road Studios, entre otras cabinas de grabación.




(1962) Billy Eckstine - Days of wine and roses
(1980) Bobby Rodriguez & La Compañia - Days of wine and roses
(2000) Poncho Sanchez - Days of wine and roses
(2018) Kiki Sanchez - Days of wine and roses

Estrenada en 1962, "Days of wine and roses" fue un suceso cinematográfico de Warner Brothers Pictures en su época, no solo por los protagónicos de Jack Lemmon y Lee Remick, también por la belleza del tema original. 

En la historia, los personajes Joe Clay y Kirsten Arnesen se enamoran y se casan, incluso tienen un bebé, pero el gusto de Joe por la bebida empieza a crearle problemas a la joven pareja, al punto de que ambos buscan cómo dejar juntos la adicción en la que habían caído, retratando crudamente la fragilidad de la condición humana en pareja y los problemas que deben enfrentarse en la cotidianeidad, sobre todo cuando se trata del alcoholismo.  

La banda sonora fue encargada al maestro Henry Mancini, quien ya venía con premios y renombre en la composición de música para cine, además de hacer dupla con su amigo y director Blake Edwards. El año anterior, Mancini y su compañero en la composición, el letrista Johnny Mercer, habían ganado el Oscar por la canción Moon River de la película Breakfast at Tiffany's. En la película, la parte vocal corre a cargo de Billy Ekstine, cantante de jazz y pop, figura emblemática de las big band de los años 40, llamado el Sinatra Negro.


En el ámbito latino, sobresalen las versiones de Bobby Rodríguez & La Compañía, quien lo grabó en clave de bolero en el álbum "Hay que cambiar la rutina" de 1980, grabado para el sello Vaya Records; la versión en latin jazz a cargo del conguero Poncho Sánchez, que lo incluyó en el disco "Soul of the Conga" del año 2000 para la división Picante del sello Concord; y la soberbia ejecución del pianista peruano Kiki Sánchez incluida en su álbum "Two Worlds" del 2010 para Diola Entertainment. 





(1973) Gato Barbieri - Last tango in Paris
(1973) Willie Rosario - Last tango in Paris
(1973) Mongo Santamaría - Last tango in Paris
(2001) Gotan Project - Last tango in Paris

En "Ultimo tango a Parigi" de 1973, la megaestrella del cine Marlon Brando interpreta a Paul, un hombre maduro que acaba de enviudar y está sumido en profunda soledad y depresión, que conoce a Jeanne, interpretada por la joven actriz Maria Schneider. Su relación va marcada por la pasión y el desenfreno sexual, el impulso autodestructivo de Paul y la ingenua sed de descubrimiento de la veinteañera, una lucha constante por controlar las mentes además de los cuerpos y por sobrecubrir las soledades aplastantes de ambos. Una relación tóxica, en términos más actuales. 

La cinta, muy dentro de la mentalidad de su director, el maestro Bernardo Bertoluci, explora de manera recurrente en su filmografía cuestionadora e intimista, las miserias humanas en condiciones limites o personalidades extremas, situaciones viscerales, erotismo y desenfreno, todo lo cual se logra y magnifica con la extraordinaria interpretación de Marlon Brando, quien deja ver en mucho verdaderos aspectos de su compleja personalidad. Todo ello redondeado por la excelente fotografía del veterano del cine italiano Vittorio Storaro. 

Aunque censurada en muchos países por su crudeza, la película recibió nominaciones a los premios de la Academia y a los Golden Globes, para Bertolucci como Mejor Director, para Brando como Mejor Actor y también como Mejor Película; y ganó premios en Italia y Alemania por película y director. 

En lo suyo, el saxofonista argentino nacido en Rosario en 1932 Leandro 'Gato' Barbieri fue el convocado por Bertolucci para hacer la banda sonora. Aunque el trabajo de Barbieri es superlativo, de notas altamente sensuales, acordes con la temática y esencia de la historia, es justo decir que fue la segunda opción del director italiano, habiendo sido el genio del jazz también argentino Astor Piazzolla al que le ofreció primero el encargo, el cual declinó. 

Bertolucci recordó a 'Gato' Barbieri desde su participación en su cinta "Prima della rivoluzione" de 1964, en la que intervino en 3 temas musicales del soundtrack. Con ello en mente, sumado al desarrollo evolutivo en el jazz que había logrado Barbieri, sus notas largas y desgarradas, y tras las 3 veces que este vio el montaje original de la película para meterse de ello en el lenguaje intestino de la historia, el producto final es una pieza mágica, de antología, que trepida de manera envolvente al oyente mientras lo sumerge en las calles del París que buscaba retratar Bertolucci, llena de ansiedad, sexo y soledad. 

Barbieri obtuvo el Grammy por Mejor Composición Instrumental. 


En esta línea de influencia, las versiones del tema principal de la película ha tenido muchas versiones a lo largo de los años, sobresaliendo la de 1973 realizada por el timbalero puertorriqueño Willie Rosario, incluida en el álbum "Infinito", para el sello Inca Records; la del conguero cubano Mongo Santamaría del álbum "Fuego", también de 1973; y la de la agrupación de tango fusión Gotan Project de su álbum debut de 2001. 






(1967) Alexander Courage - Star Trek Main Title
(1977) Maynard Ferguson - Theme from Star Trek
(2014) Don Perignon y La Puertorriqueña - Star Trek

Creada por Gene Rodderberry en 1960 y realizada en 3 temporadas desde 1966 hasta 1969 por la Paramount Television Studios, la famosa serie de ciencia ficción "Star Trek: La Serie Original" cuenta las aventuras de la tripulación de la nave enterprise por el espacio exterior en busca de nuevos mundos y civilizaciones. 

El reparto estuvo conformado por William Shatner, como en capitán James T. Kirk, Leonard Nimoy, que interpretaba al primer oficial Sr. Spock, DeForest Kelley, como el oficial médico Leonard McCoy, y Nichelle Nichols, como la oficial de comunicaciones Nyota Uhura. 

El éxito avasallador de la historia fue tardío, pero de alcance incalculable, no solo en series derivadas y películas, sino también en productos y juguetes inspirados en sus personajes y en fanáticos al rededor del mundo. Además, la historia ha tenido influencia en distintos aspectos narrativos, como la tecnología futurista y la vocación de unidad multiétnica carente de prejuicios raciales y sexistas. 

La música le fue encargada al compositor Alexander Courage, que se alejó del proyecto tras la segunda temporada, debido a que se involucró en la composición de la música para la película "Dr. Doolittle" de 1967, protagonizada por Rex Harrison, y porque Roddenberry se acreditó la mitad de las regalías por su creación de una letra para el tema principal que jamás fue utilizado. La voz de Shatner acompañaba el intro de la serie que era transmitida semanalmente por la cadena NBS.  


En jazz, sobresale la versión del trompetista canadiense Maynard Ferguson, quien incluyó una fusión entre jazz y disco en su álbum de 1977, "Conquistador"; mientras que en el latin jazz, tenemos la excelente versión realizada por el timbalero puertorriqueño Don Perignon en su álbum de 2014 "Música Maestro". 




Volveremos con un próximo volumen para revisar más versiones latinas de grandes clásicos del cine.





sábado, 28 de marzo de 2020

Estos son "Los 10 Imprescindibles del 2019"


Como cada año, Familia, damos cuenta de los ingresos más aclamados y escuchados de nuestra programación, en las distintas plataformas disponibles. 

El 2019 ha sido un año complejo en acontecer cultural y la realidad social se ha visto afectada de muchas maneras. También ha sido un año de pérdidas. Para comentar y rendir homenaje a los que partieron a la eternidad, tenemos el episodio In Memoriam 2019 que ya está disponibles en las plataformas donde alojamos nuestro podcast.

Sin más preámbulo, comencemos!

***

10

10.- Joe McCarthy & The New York AfroBop Alliance Big Band - Nostalgia in time




Luego de su disco de 2014, la banda creada por Joe McCarthy en Washington DC y que ahora se atrinchera en New York, llegó con "Upwards", su nueva producción, siempre para el sello ZoHo, una placa llena de color en sus notas,  vibrante y fresca sonoridad en corte de big band, y la certeza de estar frente de una pieza de trabajo serio, talento indudable y vitalidad desbordante. 

Rezumando variedad cultural y de estilos, las composiciones finamente hilvanadas en un concepto de riqueza y virtuosismo ofrecen al oyente una experiencia sobrecogedora de complejidad sonora, acertada improvisación y solos poderosos. 

Definitivamente, se siente la mano del pianista Manuel Valera, sin quitar protagonismo al peso de los músicos que integran la banda. Si bien es cierto, hay un peso melódico en medio del intrincado arreglo, se disfruta el jazz de principio a fin. Batería y bajo entran en perfecta complicidad gracias a los formidables arreglos de Vince Normas y el propio Joe McCarthy. 

Pasión es la palabra que encierra el trabajo de excelente factura que nos presenta la New York Afrobop Alliance Big Band, y es lo que transmite al oyente, sin la menor duda. 




09

09.- Grupo Salsafon - El hijo del sonero




La Salsa sabrosa, bailable y con contenido llega gracias al Grupo Salsafón, orquesta formada en Francia y que en el 2019 llegó con un single que supo apoderarse de la preferencia de los salseros bravos. 

La composición de El hijo del Sonero le pertenece al venezolano Ricardo Quintero, que llega en la voz de Rafael Quintero y el arreglo del también venezolano Marcial Istúriz, quien demuestra que no solo es un extraordinario cantante. 

Las congas y dirección musical están a cargo de Phillipe 'Pipou' Couret, pero sobresalen en la producción el solo de piano de Remi Ploton y la flauta de Jean Donnantuono. 

La sabrosura está más que demostrada en este tema, ingresado en noviembre y rápidamente posicionado en los primeros lugares de nuestro ranking anual. 




08

08.- Andrés Cepeda Big Band (Feat. Gilberto Santa Rosa) - Lo mismo que a usted




Con arreglos sobresalientes, conmovedores y mucho sentimiento en la interpretación, llega la producción más reciente del cantante colombiano Andrés Cepeda al frente de una poderosa big band para rendir un emotivo homenaje al Guapachoso Rolando Laserie.

Luego de hacer música por varios años y consolidarse como una voz joven, fresca y con mucha proyección en el mercado de la balada pop latina, el cantautor bogotano Andrés Cepeda dio un giro interesante en su discografía al lanzar esta placa con aires de nostalgia, centrada en el bolero, en lo que sin duda representa un trabajo de corte personal que rompe esquemas y apuesta por una sonoridad refrescante en escenarios actuales. 

"Utilizando el gran formato de la Big Band quise remontarme a una era de grandes boleros y boleristas que han pasado a la historia y que seguirán siendo relevantes en nuestra cultura. Cantar estas canciones con la Big Band me hace sentir parte de una época en la que me hubiera gustado vivir, y en mi imaginación sueño con ser un crooner que canta de pie frente a una gran orquesta", afirma Andrés Cepeda.

El disco fue grabado en vivo en varios sesiones de concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, con el marco musical de una formación de big band, la cual estuvo dirigida por el peruano Kike Purizaga, quien estuvo además a cargo de la producción del álbum. Luego de 8 niminaciones al Latin Grammy, el disco fue premiado en la categoría Mejor Álbum Tropical Tradicional en la ceremonia del 2019.  




07

07.- Dudu Quirino - Casca de banana




El trompetista paulista Carlos Eduardo 'Dudu' Quirino es un músico excepcional. Además de liderar sus formaciones musicales, es docente, se desenvuelve con igual soltura entre lo erudito y lo popular. 

Desde siempre vinculado con el jazz en su trayectoria musical, Quirino es un apasionado de los festivales, en los que se presenta con gran aceptación del público. 

En la última década ha desarrollado un especial interés por trabajar fusiones entre el jazz y la samba, con elogiable acierto, acentuando su presencia entre los músicos de jazz de la actualidad musical en Brasil. 

Con más de 15 años de trayectoria, su trabajo es auténtico, altamente dedicado a la sensibilidad, a transmitir al público la esencia de la música popular envuelta en una manta de jazz que acaricia.




06

06.- Ernesto Vega - My cuban soul




Aparecido en junio de 2019, el disco "Tradition and Beyond" trae nuevamente al sobresaliente clarinetista, compositor y arreglista cubano Ernesto Vega, un trabajo excepcional que lo coloca nuevamente en los primero lugares de preferencia por su calidad y aporte al jazz afrocubano.

Se trata de su tercer álbum, cada cual generando más expectativas que el anterior, como en esta nueva placa en que se desplaza con absoluta destreza entre el jazz y los ritmos tradicionales cubanos, aportando un viento sutil, adornado, arpegioso, que sin desprenderse del aporte melódico conviene en dotar a su música de elegancia y sofisticación. 

En esta nueva producción, grabada en Houston, compuesta por 9 temas originales de autoría del propio Ernesto y con sus arreglos, se puede advertir la madurez y peso adquiridos por el músico, además de permitirse el acompañamiento de talentos de la talla de Gastón Joya, el extraordinario bajista cubano que la viene rompiendo en la escena musical de jazz afrocubano. Y por si fuera poco, también participan Harold López-Nussa en el piano y su hermano Ruy en la batería.

El tema My Cuban Soul está dedicado, y así nos lo hace saber con esos giros virtuosos en el clarinete, al gran Paquito D'Rivera. El solo de congas corre a cargo de Edgar Martínez.  



05

05.- Son de Ébano Orquesta - Qué rico mi son




Los músicos colombianos de Son de Ébano nos trajeron en el 2019 la producción "Soy Original", bajo la dirección de Ever Zapata, quien tiene a su cargo la parte vocal y los arreglos.

Formados en el año 2011, esta agrupación llega con una propuesta de salsa tradicional que lleva historias cotidianas a un nivel bailable que sobresale en los escenarios de la actualidad. 

La sonoridad de Son de Ébano Orquesta representa un aire fresco y diferente en la oferta musical más reciente, motivo por el cual ha sido y sigue teniendo la aceptación y el apoyo del público oyente y bailador. 

Los músicos que intervienen son: 


  • Cristian Alexis González – congas y timbales; 
  • Helmer Daza – trombon; 
  • Alex Collazo – trompeta; 
  • Jorge Huertas Chavo – tres; 
  • Oscar Mina Sandoval – bateria; 
  • Rogelio Asprilla – bajo; 
  • Edwar Vivero – piano; 
  • Alex Collazo y Rogelio Asprilla – coros; 
  • Ever Zapata – vocales; 
  • Graciliano Montaño – saxofon




04

04.- La Picante Orquesta - No más amarguras 



La Picante Orquesta no se detiene. Luego de su debut en el 2017, nos dejó en el 2019 el disco "La rumba no para", siempre con su formato de trombones, entre lo majadero que tanto le apasiona a su creador y director el percusionista limeño David Haddad, y la dulzura del sonido apacible de los metales. 

Fundada en el año 2007, y por perseverancia de Haddad, un emprendedor productor y empresario musical nacido en la tradicional zona limeña de Barrios Altos, La Picante Orquesta pasó por varios formatos y propuestas, devorados por la demanda comercial del medio musical de la Lima de mediados de la década del 2010, hasta decantar en la Salsa, género que los define y los proyecta. 

El sonido de La Picante Orquesta es cautivador desde el primer acorde. Piano y bajo rotundamente combinados en armonía, percusión precisa, en clave, trombones soñadores y acompañantes, culminado todo en arreglos que han logrado el sano equilibrio entre lo comercial y lo artístico. 

Los músicos que integran la agrupación son: 


  • Joel Rosario – piano; 
  • Juan Chumbiray – bajo; 
  • David Haddad – timbal;  
  • Juan Cenevello – congas, bongo y percusión menor; 
  • Eduardo Teltting – trombon;  
  • Juan Chumbiray, Jean Pierr Rojas y David Gonzales – coros





03

03.- Flora Martínez - Piensa en mí



El Día de los Muertos es una celebración básicamente mexican, que se extiende a algunas regiones de Centroamérica, considerada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO desde del 2008, que celebra el paso de la vida a la muerte como momento emblemático del discurrir de la humanidad, fiesta en la se venera, honra, espanta y hasta se permite la burla de la muerte, en una ancestral tradición que se remonta a épocas prehispánicas. 

Este concepto es el que la colombiana canadiense Flora Martínez ha tomado para su más reciente entrega en formato de singles, entregando dos clásicos boleros de pluma mexicana, Bésame mucho, de Consuelito Velásquez, y Piensa en mí, de Agustín Lara.

Los arreglos que adornan estas piezas de antología son de jazz, absolutamente hipnotizantes, con el toque vocal que personaliza la propia Flora al tratarse de temas conocidos y queridos por ella desde siempre, como ha confesado con ocasión del lanzamiento de los singles. 

Como señala la propia cantante y actriz actualmente radicada entre Uruguay y Colombia, "en esta ocasión me inspiré en Miles Davis para imprimirle tono oscuro pero cool a la vez y con dejes de Tango. ¡Ojalá les guste!”





02

02.- Mambo Babalu (Feat Mayito Rivera) - Mama Güela



Según la propia declaración de principios de Mambo Babalú, el proyecto es un homenaje al género y a sus creadores, como Pérez Prado, Beny Moré, Machito, Tito Rodríguez, Tito Puente, y muchas otras leyendas más. 

Nacido en Cuba, madurado en México y consagrado en New York, el mambo y la experiencia que lo envolvió fueron los grandes protagonistas de la década del '50. 

El mambo es un estilo de vida que combina la nostalgia con lo moderno, ritmos elegantes que le dan la bienvenida a la música y al baile, transcendiendo generaciones y cruzando culturas. Es la nostalgia con un toque moderno, es la experiencia de ser transportado a otra era.

Las fundadoras del proyecto, Adeline Ferro e Ive Giro acertaron con la idea de hacer mambo en tiempos actuales, con arreglos originales, una formación orquestal de primera gama y un sentido innegable del respeto por los grandes maestros. La dirección está a cargo del cubano Julio Montalvo, quien se luce al frente de la conformación de 23 maestros de varias nacionalidades. 

Uno de los invitados de lujo en esta producción ha sido, sin duda, el cubano Mayito Rivera, quien le pone un toque muy sabroso y cubano al mambo newyorkino. 




01

01.- DJ Lindo y Marco - El fantasma



El productor musical italiano Albert Lindo, conocido como DJ Lindo, uno de los más reputados artistas de las pistas de baile de Europa, con agendas copada y llenos totales en los espacios en los que la música latina es la protagonista. 

Por otro lado, el pianista, compositor y arreglista palermitano Marco Ronca, formado en festivales de jazz y en la realización de música para cine y televisión, y dedicado a la docencia, ha sido un apasionado de las fusiones musicales desde siempre, lo que le permitió tener una instantánea química con el productor DJ Lindo. 

El primer resultado del proyecto en conjunto ha sido el single El Fantasma, un arreglo de latin jazz que entremezcla el jazz y la base rítmica afrocubana, el cual ha resultado ser la receta exitosa para lograr el equilibrio entre lo comercial y lo artístico.



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Contenido Extra

Como contenido extra, les dejamos los siguientes temas: 

01.- Cubanisms - La gloria eres tú


Cubanisms fue creada en el 2016 en Kansas por el tresista nacido y formado en Missouri Michael McClintock, un músico apasionado con la cubanía desde que viajó a Cuba en el 2013, en donde se formó en la ejecución del tres de la mano de los maestros Efraín Amador y César Echeverría 'El Lento'.

Con ingredientes de flamenco, bossa nova, jazz y música contemporánea, la propuesta de Cubanisms es engalanar la música cubana más tradicional, con frescura en los giros, manteniendo en lo posible los arreglos originales o más representativos. 

Luego de su disco debut "Acento Cubano" de 2017 y su participación en algunos festivales de jazz como el Jazz Plaza Internacional de La Habana, Cubanisms puede decir que continúa con buen pie, madurando su sonido, haciéndose notar en escenarios y deleitando con su propuesta musical de primer nivel. 



02.- Edwin Bonilla - Descarga con son


Nuevamente, uno de los percusionistas puertorriqueños más reconocidos y solicitados de la actualidad, el multiinstrumentista y nominado al Grammy Edwin Bonilla con una nueva producción, la octava de su discografía en solitario, llamada "Infinito", editado por el sello Sonic Projects.  

En el estilo que tiene acostumbrado a su público, y que ha ido madurando desde su debut en 1999, Bonilla regresa con un homenaje a la era dorada de la salsa con su toque personal de arreglos contemporáneos y mucha sabrosura para el bailador, contando como invitados a Jesús Alejandro 'El Niño' Pérez, Giovanni Hidalgo y Cheo Quiñones. 


03.- Maia (Feat. Diego Galé & Orquesta) - La Rueda



La barranquillera Maía nos sorprende con el disco "7/80", una producción de homenaje a la salsa de los años 80, con la que ella creció, enamorándose de las voces de los soneros clásicos de la movida musical salsera de esos años. 

Lo sobresaliente de Maía es la potencia de su voz, el timbre perfecto para cantar salsa, y no cualquier estilo, la salsa dura, la de los grandes maestros. Incluso, la salsa sensual que la vio crecer en Colombia, se transforma en su aporte vocal de variados recursos y sobrada solvencia en una pieza de absoluta trascendencia. 

El respaldo musical, con vientos afiatados y una estupenda sección rítmica le corresponde a Diego Galé y Orquesta. 



Gracias













domingo, 2 de febrero de 2020

In Memoriam 2019


Como cada año, les traemos el recuento, a modo de homenaje póstumo, a aquellos que partieron en el 2019 y que forman parte de la memoria colectiva de nuestra raza latina, convertidos en leyendas, vibrantes en el presente y que sirven de luz para las nuevas generaciones. 

El 2019 fue un año de grandes sucesos a nivel global, y que marcan el cierre de una década principalmente marcada por la polarización de las ideologías y tendencias económicas de las grandes potencias, una marcada agudización de la inmediatez audiovisual en las nuevas generaciones, la cercanía de las nuevas tecnologías a la singularidad en la evolución de la dependencia humana, el manejo cada vez más acentuado de la big data y perfilamiento de los hábitos de consumo y el desapego sostenido a las relaciones humanas. 

Esta aparente desesperanza debe representar el punto de partida de las mentes ágiles y los esfuerzos renovados para seguir avanzando en el camino que se traza para cumplir los sueños con trabajo y dedicación. 

Una forma de mirar hacia adelante es detenerse para rendir homenaje a los que adelantaron el camino, pero cuyas huellas iluminan e inspiran los pasos de las nuevas generaciones. 

Comencemos!

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25/01 Roberto Livi

Con 75 años de vida, el compositor y productor argentino Ramón Roberto de Ciria, conocido como Roberto Livi, partió debido a problemas cardíacos en la ciudad de Denver, Colorado, Estados Unidos. 



El músico argentino, autor de más de 700 canciones, enmarcadas básicamente en el género de la balada, fue responsable de los éxitos de varios artistas de primer nivel en dicho género, como Roberto Carlos, José José, Rocío Dúrcal o Julio Iglesias. 



Ingresado en el 2017 en el Salón de la Fama de los Compositores, Livi fue también reconocido por la Academia Latina de Grabación, la que tuvo palabras sentidas a través de su cuenta oficial de Twitter, además de varios otros músicos y cantantes de habla hispana, reconociendo todos su enorme trascendencia e influencia como uno de los productores discográficos más importantes del siglo XX para latinoamérica. 

10/02 Juanjo Domínguez 

Dueño de un virtuosismo y de un enorme talento creativo, el compositor, guitarrista y arreglista argentino Juanjo Domínguez representa lo más difundido de la música argentina con alcance mundial, distinguiéndose como acompañamiento obligado de muchos artistas de la escena del tango y otros géneros. 




Nacido en la provincia de Junín en 1951, Domínguez se destacó en la música desde muy temprana edad, destacándose por la ejecución de su guitarra de modo particular, el uso de las escalas dobles, los arpegios enrevesados y esa especial sensibilidad para acompañar y protagonizar melodías con su instrumento. 



Su partida, a los 67 años, deja un enorme vacío entre sus compañeros músicos y esos tantos intérpretes de música tradicional y trova latinoamericana, además de sus varias grabaciones en solitario que dan cuenta de su notable capacidad expresiva. 

28/02 André Previn

Nacido como Andreas Ludwig Priwin en Berlín en 1926, el prolífico pianista, compositor, arreglista, director de orquesta y productor Andre Previn, hacedor de música para cine, fue sin duda uno de los más reconocidos y premiados del género. 




Radicado en Estados Unidos desde 1938 con su familia, en momentos críticos para la comunidad judía en Alemania, comenzó su trabajo vinculado con el cine desde finales de los años 40 en la Metro Goldwyn Mayer, además de lograr grabar varios álbumes de jazz, otra de sus pasiones musicales.




Previn tuvo mucha participación en la vida artística de los años 60, logrando sobresalir en el competitivo mundo del cine, en el que obtuvo 4 premios de la Academia por las bandas sonoras de las películas Gigi de 1958, Porgy & Bess de 1959, Irma the Douce de 1963 y My fair lady de 1964. 

04/04 Alberto Cortez

Un compositor absolutamente genial, Juan Alberto García Gallo, conocido como Alberto Cortez, nacido en la región de La Pampa en 1940, es reconocido como un poeta y hacedor de algunas de las canciones más bellas del cancionero latinoamericano de la década del 60 en adelante. 




Su amor por las letras comenzó a los tempranos 12 años, cuando compuso el bolero Un cigarrillo, la lluvia y tú, tema que fuera grabado por Tito Rodríguez en 1964. Luego llegaron los éxitos personales, muchos de los cuales son considerados verdaderos clásicos en la actualidad. 





Radicado en Madrid, España, desde 1960, actuó en escenarios de todo el mundo, llegando a realizar algunas composiciones para otros artistas, como Estela Raval, a quien le entregó En un rincón del alma. 

Falleció a los 79 años de problemas gástricos, aun estando en plena actividad artística. 

04/04 Joe Quijano

José Quijano Esteras, nacido en San Juan en 1935, cantante, compositor y bandleader de gran trascendencia en la movida musical latina de New York, fue además pianista y percusionista. 




Conocido como 'El Rey de la Pachanga', Joe Quijano dirigió el Conjunto Cachana desde 1956, con el que logró imponer numerosos éxitos bailables en la década del 60 cuando da el paso de los salones de baile a los estudios de grabación, brillando la voz aterciopelada del también puertorriqueño Paquito Guzmán. 




Su actividad se mantuvo hasta entrada la década del 2000, a pesar de las dolencias que sufría en la columna por el accidente de motocicleta que tuvo en 1992. Falleció en San Juan a los 83 años. 

30/04 Beth Carvalho

Conocida como 'La Madrina de la Samba', Elizabeth Santos Leal de Carvalho fue una de las más queridas y reconocidas sambistas de Brasil de las décadas del 60 y siguientes. 




Compositora y guitarrista, nacida en Rio de Janeiro en 1946, Beth Carvalho hizo una carrera importante en las escuelas de samba y en escenarios, gracias a su trabajo dentro de la Escola Mangueira, de la que fue su madrina, y a los más de 30 álbumes que grabó. 




Reconocida en el año 2009 con el Latin Grammy por su trayectoria musical, la Carvalho luchó una batalla muy dura contra sus dolencias a la columna, que ni la cirugía como revertir, obligándola a hacer su vida diaria, incluso en escenarios, en una silla de ruedas. A los 72 años, Beth Carvalho, descansa en paz. 

02/05 Juan Vicente Torrealba

Con 102 años falleció el inacabable músico venezolano Juan Vicente Torrealba, ícono de la música tradicional del llano venezolano, multiinstrumentista, compositor, arreglista, genio creador, avanzado a su época por la experimentación y complejas composiciones, de belleza inigualable y profundo sentimiento por la esencia del alma llanera de su país. 




Nacido en 1917 en el centro de Caracas, Torrealba dedicó su vida a la música, no solo como virtuoso maestro del cuatro venezolano, la guitarra y el arpa, sino a estudiar, difundir y consolidar la música de la zona del llano, en la que se especializó y a la que dotó de profunda belleza, a través de los más de 130 discos que logró grabar.



El maestro Juan Vicente logró incursionar en el cine, tanto en México como en Venezuela. Sus últimas grabaciones datan de los años 80, decidiendo retirarse definitivamente de la vida pública en 1986, al sentir que el paso del tiempo y las nuevas modas de la industria de la música ya no le daban cobertura a la música tradicional que él representaba. 

13/05 Doris Day

Conocida como 'La eterna sonrisa de Hollywood', una de las más carismáticas actrices de la edad dorada del cine estadounidense, Doris Day partió a los 97 años, alejada de las luces y el ojo público que fue su cotidianeidad en su cumbre de éxito, pero recordada por su público de toda la vida. 




Reina indiscutible de la pantalla grande durante las décadas del 50 y 60, Doris Mary Ann Kappelhoff nació en Cincinnati, Ohio, en 1922, inició su carrera con una fuerte presencia en el canto en los años 40, logrando notoriedad por su belleza y carisma, emblemas de la mujer moderna pero cimentada en la tradición norteamericana. 




Su trabajo en el cine la llevó a ser dirigida por algunos de los más reconocios directores de la época, como Michael Curtis o Alfred Hitchcock, y hacer pareja con algunos de los más solicitados actores de la gran pantalla, como Frank Sinatra, Rock Hudson, James Stewar o Clark Gable. 

Su presencia llegó a tener cobertura en todas las plataformas disponibles, como el Show de radio o el programa de televisión de los año 70, además de presentaciones especiales, programas de Navidad, comerciales, entre otros. Recordamos especialmente su participación en las películas Calamity Jane, Pillow Talk, The man who knew too much, al lado de James Stewart, sus discos con Frank Sinatra, con Paul Weston y Orquesta o Percy Faith, así como su celebrado álbum "Latin for Lovers" de 1965. En el año 1989 recibió el premio Cecil B. DeMille a la trayectoria. 



La inacabable Doris Day vio en sus días como el cine, la radio, la televisión y la industria discográfica que ella conoció en sus días dorados fue transformándose y las generaciones iban olvidando su legado. Dedicó sus últimos años a dirigir y respaldar las actividades de la Doris Day Animal League por los derechos de los animales. 

30/05 Roberto Yanés

Nacido en Córdoba, Argentina, en 1932, Roberto César Iannacone, pianista, actor y cantante conocido como Roberto Yanés falleció a los 87 años en medio de un retiro de los escenarios pero siempre recordado por el público que se deleitó con su voz y sensibilidad interpretativa durante el apogeo del bolero en América Latina de los años 60. 




Fue popular en radio y televisión como pianista y cantante, sus primeras grabaciones datan de 1958 para la CBS. Supo encontrar en el bolero la mejor forma de hallarse como artista, aunque también lo hizo desde el tango, como lo pudo demostrar en su faceta de vocalista del conjunto de Astor Piazzolla en 1963. También se destaca en la composición, incluso de música para películas. 




En su mejor momento, la voz de Yanés era referente de toda una generación, así como colaborador obligado entre artistas como Osvaldo Fresedo o Chico Novarro. Su nombre, tan reconocido como el de Lucho Gatica durante los años 60, nunca fue olvidado aunque él prefirió alejarse de los medios masivos, dedicándose únicamente a la docencia particular de canto. 

27/06 Gualberto Castro

Nacido en la Ciudad de México en 1934, Gualberto Antonio Castro Levario, conocido como Gualberto Castro, fue un cantante de gran carisma y reconocimiento entre sus compañeros y el público que siguió su carrera al lado del conjunto de Los Hermanos Castro, institución musical mexicana que tuvo su época dorada en los años 60. 




Los Hermanos Castro, los primos de Gualberto, Arturo, Javier y Jorge, lo incorporaron en sus filas desde que fue adolescente. El conjunto adquirió fama rápidamente por el trabajo vocal de armonías logrado por Arturo Castro, lo que les permitió trabajar en New York y Las Vegas.

Su presencia en escenarios y su formidable registro le valieron numerosos premios a su arte, como el OTI y otros de renombre continental. 




Fue un artista muy responsable, de vida sana y cultura alimenticia vegetariana, aunque el cáncer de vejiga lo aquejó hasta el final de sus días. 

06/07 João Gilberto

Joao Gilberto Prado Pereira de Oliveira, el genial Joao Gilberto, nos dejó en el mes de julio de 2019, en Rio de Janeiro, a los 88 años. El llamado 'Padre del Bossa Nova', ha dejado un enorme legado, su influencia seguirá siendo por varias generaciones referente obligado de dedicación, sencillez, talento, carisma y respeto por la música. 




Considerado como una pieza fundamental en la creación y difusión de la bossa nova, el cantante, guitarrista y compositor bahiano es reconocido no solo como hito fundacional de la fusión de la música brasileña con el jazz sino como un adelantado a su época por la célebre grabación al lado del saxofonista Stan Getz en 1964. 




Con una presencia más que importante en la génesis de la bossa nova, junto con Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, Gilberto supo consolidar en los escenarios del mundo su aporte personalísimo al género, desde aquel Chega de saudade de 1958 hasta sus incursiones en el jazz y cuanta creación diera a luz. Un verdadero e incansable creador que supo imponer una voz, un estilo y todo un género, paseándolos por el mundo entero. 

08/09 Camilo Sesto

Una de las partidas físicas más sentidas del año que se fue sin duda es la del español Camilo Blanes Cortés, el absolutamente admirado, querido y seguido Camilo Sesto, aquel que nos veía de seis a nueve con su piel de ángel. 




Admirado por varias generaciones, en Europa y en América, con más de 170 millones de discos vendidos, varias decenas de éxitos de su autoría, consagrados por él mismo o por otros artistas, y más de 40 producciones discográficas, Camilo ha dejado un legado profundo, una forma de vivir, un pensamiento y una sensibilidad grande, plasmada en sus canciones y en su sentida interpretación. 



Su éxito llegó con la década del 70, con algunos premios por el maravilloso registro de su voz, dando inicio a su carrera con la grabación del célebre álbum "Algo de mí" en 1971, producido por el también español Juan Pardo, logrando consagrarse de inmediato en el gusto popular. De ahí en adelante, su éxito se prolongó hasta casi finales de los años 80, cuando hizo una larga pausa para dedicarse a la crianza de su hijo Camilo. 



Sus más de 50 números 1 en las listas de éxitos consagrados lo colocan como uno de los más importantes artistas románticos de habla hispana, querido y admirado por el público de varios países.

28/09 José José

Conocido en el mundo de habla hispana como 'El Príncipe de la Canción', el mexicano José Rómulo Sosa Ortiz, o José José, es sin duda uno de los más influyentes cantantes románticos en español, el más querido, el más seguido, el más escuchado. 




Mucho se ha dicho y escrito sobre la vida y excesos del Príncipe, pero lo cierto es que esa sensibilidad extrema lo llevó a hacer suyas las letras de sus canciones y a transmitir con el lenguaje del alma el sentimiento más profundo y dulce, entregándolo todo en el escenario, todo en cada canción, a veces con desgarro, a veces con esperanza. 



Su éxito llegó a la cima en los años 70 y 80, aunque su presencia y sencillez han iluminado mucho más que los volúmenes de ventas en sus varias décadas de carrera y las presentaciones en escenarios del mundo, como el Madison Square Garden o el Radio City Music Hall. 



Desde La nave del olvido hasta Amnesia, pasando por El triste y las varias decenas de temas considerados como clásicos del cancionero romántico en español, las composiciones que le entregaron grandes como Rafael Pérez Botija o Manuel Alejandro fueron apropiadas por su interpretación tan personal de las historias que cantaba, signo indeleble de su estilo y trascendencia. 

15/10 Cacho Castaña

Cantante, compositor y actor, artista multifacético, a veces controvertido, pero muy talentoso hombre de tango, cine y televisión, Humberto Vicente Castagna, conocido como Cacho Castaña, partió a los 77 años, pero muchas de sus canciones perduran convertidos en auténticos clásicos del cancionero porteño.




Iniciado en el piano en la adolescencia, siempre atento a las oportunidades artísticas del momento, Castaña supo siempre estar en el centro de la atención de su generación, desde sus primeras grabaciones a inicios de los años 70 hasta sus presentaciones de llenos totales al frente de su orquesta para llevar homenajes poéticos hecho canción como los de Tita Merello, la 'Gata' Adriana Varela o Roberto 'Polaco' Goyeneche. 




Recibió numerosos premios por sus grabaciones y su carrera entera, pero deja una honda huella entre sus compañeros artistas, quienes siguen cantando sus canciones para las nuevas generaciones. 

16/10 Gladys María Pratz

Una de las poetas peruanas más vinculadas con la música popular, muy reconocida y querida por los artistas criollos peruanos, sin duda es Gladys Bisellach Carrillo de Vizcarra, más conocida como Gladys María Pratz, inquieta y muy cultivada mujer de letras que supo adelantarse a su época.




Versada y muy cómoda para escribir en diversos formatos poéticos, sus trabajos oscilan entre la temática de lo divino y lo humano. Pratz también incursionó en las artes escénicas y en la composición musical, señalando que la inspiración le llegaba naturalmente y que la melodía la perseguía hasta que lograba plasmarla en una canción. 



Sus más célebres obras son, el poema Soy Mujer y el vals Como una rosa roja, grabada en 1970 por la extraordinaria cantante peruana Lucha Reyes. 

Bonus Track: 

(1993) Eva Ayllón - Mi gran amor

Como ya se dijo, las canciones de Alberto Cortez han dejado una honda huella, son de una belleza compleja, siguen siendo inspiración para distintos artistas, como el caso de la cantante tradicional peruana Eva Ayllón, ícono del criollismo, que en 1993 realizó una versión en clave de landó, del tema Mi gran amor, que fuera originalmente grabado por Cortez en 1979 en el álbum "A partir de mañana". 






La versión afroperuana corresponde al disco "Gracias a la vida", realizado para Discos Independientes, producción que fue muy aclamada por la crítica y el público, y que le permitió seguir acercándose mucho más a las nuevas generaciones que tradicionalmente no consumían música criolla peruana. La producción del álbum estuvo a cargo del compositor, guitarrista y arreglista peruano Oscar Cavero.






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- Fernando Cataño Florián -