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lunes, 31 de mayo de 2010

Hoy recordamos al Rey, Tito Puente!



En un aniversario más de su partida física, recordamos el talento creativo del maestro Tito Puente, referente necesario en el tema del desarrollo de las corrientes latinas de influencia en el jazz y la presencia en general de los latinos en el mercado angloparlante. 

Como se recuerda, luego de una carrera muy fructífera y de haber grabado más de un centenar de producciones en diversos sellos discográficos, la luz de la vida corporal del maestro Puente se apagó un 31 de mayo del año 2000.

Sin embargo, su legado y la música que nos legó siguen escuchándose y programándose como si de éxitos actuales se tratara, siempre tras el timbal, en el vibráfono o haciendo segunda voz en los boleros clásicos que hiciera Santitos Colón. 

Te recordamos, maestro! 

domingo, 23 de mayo de 2010

Trombones predilectos 1: Juan Pablo Torres





Considerado por unanimidad como el músico más importante del jazz latino en los últimos 50 años del siglo XX, el arreglista, compositor, director musical y virtuoso solista cubano Juan Pablo Torres es el invitado de hoy para abrir este desfile de trombonistas "majaderos" -parafraseando el disco del legendario Generoso Jiménez-.




Nacido en Puerto Padre en 1946, Juan Pablo Torres supon explorar con éxito, además de todo, el jazz con exquisita brillantez, aunque siempre se sintió más heredero de la tradición autóctona cubana que le complacía exhibir. Dijo alguna vez Juan Pablo en una entrevista que "desde el principio sabia que queria hacer, y la identidad mia fue criollo, de donde naci, Cuba. Entendi de temprano que la musica cubana era tan fuerte, tan real y tan craetiva que con ella, el son, yo hiba a poder hacer todo lo que queria, aunque escucho a jazz. Pero la influencia cubana fue tan fuerte que ninguna otra pudo penetrar!".


Hizo estudios en la Escuela Nacional de Arte, y en 1967 formó parte, ya con un nombre en su instrumento, en la Orquesta Cubana de Música Moderna, que reunió a destacados artistas de ese período. En 1976 fundó el grupo Algo Nuevo y, tres años después, hizo historia con las Estrellas de Areito, legendarias sesiones de "descarga" que reunieron a nombres como Enrique Jorrín, Tata Güines o Miguelito Cuní. Exiliado desde 1992, continuó su carrera sumando decenas de títulos a los más de veinte discos que dejó grabados en Cuba. De su extensa discografía, podemos destacar colaboraciones como "Bebo Rides Again" (con su viejo amigo Paquito D´Rivera y Bebo Valdés) y títulos como "Trombone Man" (1995), "Descarga Afrocubana" (1998) o "¡Qué bueno toca usted!" (2002), dedicado al llamado padre del trombón, el octogenario Generoso Jiménez.



Como señala Nat Chediak en su Diccionario de Jazz Latino, “En él coinciden las dos escuelas del trombón cubano: la tradicional de Generoso Jiménez y la jazzística de Pucho Escalante”. Y lo vemos disfrutando de descargar en jazz latino o interpretando clasicos cubanos, o reinventando algunos temas de swing. Como se lo prefiera, Juan Pablo es solo Juan Pablo y en esa sencillez se encierra la inmensa magia de msu técnica y alegría por transmitir el sonido único de su trombón.

Finalmente, el trombonista Juan Pablo Torres, considerado un renovador de la música popular cubana, falleció la noche del domingo 17 de abril de 2005 en el Doctor's Hospital de Coral Gables, víctima de un tumor cerebral. Tenía solamente 59 años.




Hoy recordamos al maestro Atahualpa Yupanqui



Un día como hoy, Héctor Roberto Chavero Aramburo falleció. Y hablamos del grande entre grandes, Atahualpa Yupanqui, que le dio un giro al folklore propio, que le dio al mundo 325 canciones de su autoría registradas oficialmente y que sigue siendo referente obligatorio para cantantes y autores de la actualidad.

Al maestro, nuestro recuerdo!

lunes, 17 de mayo de 2010

World Jazz Circuit Latin America


Conforme nos acaba de informar la página web Conciertos Péru, lo mejor del jazz del mundo se empieza a apoderar de Lima. Luego de anunciar el concierto de Chick Corea, las sorpresas del género continúan. Esta vez es el turno de anunciar al trio conformado por Alex Acuña, John Patitucci y Edward Simon.



Los World Jazz Circuit son circuitos de países unidos por el deseo de presentar a sus respectivos públicos , una selección de lo mas granado del jazz internacional.

Creado y promocionado por Artemedios, cuenta con partners locales en varias áreas del mundo, que se encargan de países específicos.

World Jazz Circuit Latin America, parte en mayo 2010 y se extiende hasta enero 2011, presentando artistas como John Patitucci, Alex Acuna, Ed Simon, Frank Gambale, Alain Caron, Otmaro Ruiz, Scott Henderson, Dennis Chambers, Jeff Berlin, Trilok Gurtu en Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Méjico, Panamá, Perú, Puerto Rico, República Dominicana, Uruguay y Venezuela.



Sobre el concierto

Fecha: Viernes 28 de mayo
Shows: 9pm & 11pm
Lugar: Cocodrilo Verde
Dirección: Francisco de Paula Camino 226, Miraflores, LIMA Perú
Teléfonos: 2427583 - 4442381
Entradas: http://www.tuentrada.com. A la venta desde miercoles 28 de Abril.

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domingo, 16 de mayo de 2010

Feliz cumpleaños: Lalo Rodriguez !


Ubaldo Rodriguez, el genial Lalo, la voz sensacional que rompiera los esquemas de comienzos de la decada prodigiosa de los setenta, el chiquillo virtuoso y dotado sobremanera de dones artísticos y una voz bendecida, el hijo predilecto de Carolina, está hoy de cumpleaños. Le damos un abrazo en la distancia, entre salsa y boleros.


The Sun of latin Music, el álbum clave para sus cortos 16 años, que le significó además de inicio de carrera un premio Grammy. Un año después vendría Unfinished Masterpiece, también con el maestro Palmieri, y más adelante las orquestas de Machito y de Tommy Olivencia.

Y dice Lalo Rodriguez de su etapa inicial, "Me atreví a hablar con el maestro y le pedí que me escuchara cantar “Sabroso guaguancó”, un número que él había grabado en los años 60. Me escuchó y se fue. Pasaron unos seis meses y Palmieri regresó a Puerto Rico a buscarme. Nos pusimos de acuerdo. Hicimos una nueva audición y ahí nació Lalo Rodríguez, quien para ese entonces se llamaba Lolo. Mi nombre es Ubaldo. Fue Palmieri, al admitirme en su orquesta, que me bautiza como Lalo”.



Ya en los ochenta, Lalo se lanza en solitario con lo que sería una nueva corriente de la salsa, despreciada en su momento, pero que hoy forma ya parte de la trayectoria del género por consolidarse en el gusto popular, que es despues de todo a quienes se debe, al público oyente. Corresponden a esta etapa los clásicos Ven, devorame otra vez y Tu iluminas (Un nuevo despertar: 1988).


A partir de los noventa, la carrera de Lalo alcanza un punto de equilibrio, con giras y conciertos. Son los años de los discos Sexsacional, Plena-mente Lalo, Como siempre Lalo, De vuelta en la trampa o Naci para cantar.


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http://www.myspace.com/lalodevorame

martes, 11 de mayo de 2010

Explorando: Yolandita Rivera, la sonera que sigue vigente


Hablar de la sonera Yolandita Rivera, mítica figura indiscutiblemente ligada a la Sonora Ponceña, es de una importancia muy alta, ya que se trata de una mujer, una madre, una artista, que ha sabido hacerse de un sitial de manera muy personal y a fuerza de talento y de esfuerzo. Es una mujer de pocas palabras pero que sonea como pocas. No debe pasarse por el género sin detenerse a estudiar y disfrutar de la música de esta extraordinaria cantante que sigue en plena vigencia, soneando y regalando su enorme talento sobre el escenario.


Yolanda Rivera nació en Ponce, Puerto Rico, en 1951. Confesa oyente de música cubana tradicional desde su primera infancia, en especial de la gran Celeste Mendoza, Yolandita comenzó su carrera como cantante en New York en 1969 como vocalista de la Orquesta del maestro Willie Rosario. Ya de vuelta en Puerto Rico en 1975, formó parte del grupo Roberto y su Changó. Sin embargo, puede considerarse que su debut profesional fue con la orquesta La Terrífica, banda con la que grabó en 1976 el álbum Sabor a Pueblo (INT 908), en el que interpretó el éxito "Mi Corazón es Para Ti" y "Guaguanco N° 3".

La carrera ya en ascenso de la Rivera tuvo un giro bestial cuando conoce a don Quique Lucca en la parada de un semáforo en New York. Luego vino su ingreso a la Sonora Ponceña, con quienes permaneció desde 1977 hasta 1984, tiempo en el que grabó algunos álbumes e hizo giras mundiales. Sus álbumes fueron:

"El Gigante Del Sur (1977-Inca-1054)
"Explorando" (Inca-1978-1060)
"La Orquesta De Mi Tierra" (1978-Inca-1064)
"Nuevas Alturas" (1980-Inca-1074)
"Fuerza Unchained (1980-Inca-1077)
"Noche Raider" (1981-Inca-1079)
"Determinación" (1982-Inca-1080)
"Apretando" (Inca-1983-1089).


Pero junto a su carrera Yolanda se hacía también de una vida familiar y la forjaba con el mismo esfuerzo. De hecho, su salida de la Ponceña tuvo lugar por problemas médicos de su hija acabada de nacer, como ella misma ha señalado en algunas entrevistas.

Los noventas fue de retorno para la sonera, primero al lado de Gabino Pampini y la Fuerza Noble, así como con el maestro Rubby Haddock, orquesta con la que grabó 2 discos tremendos. Luego el mundo le abrió sus puertas de par en par, acompañando su voz con la Oquesta de Ray Barretto, o compartiendo escenario con el veterano Luigui Texidor o la más tremenda Choco Orta.

Hasta hoy, en que Yolanda Rivera pasea su soneo por los pueblos, el talento indiscutible de esta gran dama del canto sigue perfeccionándose y dando nuevas alegrías a su público. Está vigente y la tenemos para rato.

Hasta que rompa el cuero, Yolanda!

domingo, 9 de mayo de 2010

Héctor sigue siendo El Cantante


A pesar de los años y las nuevas tendencias en estilos musicales, la aparición de los denominados nuevos "cantantes" en el escenario musical latino no ha mermado ni un ápice la figura insigne de quien fuera el símbolo del espíritu barrial de una New York candente en la década del sesenta, contexto en el que empieza a forjar la Salsa como fenómeno.

La encuesta del mes de abril, dedicada a señalar a los soneros arroja nuevamente a Lavoe, el Cantante de los cantantes, como el líder indiscutible de los escenarios tras 17 años de su desapariciòn, momento preciso pàra una nueva revisiòn de su aporte en la música que tanto nos gusta.



Como se ha señalado, Héctor empezaba a cantar en momentos en que el movimiento a favor de los derechos civiles abría nuevas puertas para una comunidad puertorriqueña que hasta entonces no tenía posibilidades de vivir fuera del getto. De hecho, las masas inmigrantes ocupaban ya un lugar de excepción para los norteamericanos, quienes sentian invadido su espacio por algo más que latinos amigables que se habían forjado un espacio en el vecindario con sus costumbre y su música.


De hecho, es fácil advertir que el escenario musical de comienzos de los sesentas era uno de repeticiòn o de amoldamiento, refirièndonos a las largas listas de éxitos dejados por los músicos tradicionales de Centroamérica y el Caribe a fines de los cincuentas, corriente que fue percibida y aprovechada por músicos de la talla de Joe Cuba, Ray Barretto o Johnny Pacheco.

"No había una clase media puertorriqueña en New York", dice el periodista nuyorican Ed Morales, autor de The Latin Beat. "En ese momento empezaba a forjarse la identidad nuyorican"Héctor Pérez no estaba involucrado en esa lucha directamente pero, según Morales, el binomio de Héctor y Willie Colón ejemplifica esa dualidad clásica del nuyorican. "Héctor casi no hablaba inglés, Willie casi no hablaba español; uno le enseñaba al otro cada idioma".


Para el cuatrista Yomo Toro, tener a New York como escenario fue fundamental para todos los que integraban el fenómeno de la Fania -sello discográfico que catapultó la salsa neoyorquina a nivel internacional y que agrupó a las legendarias Estrellas de Fania, integradas por músicos de las distintas orquestas del sello comandado por el empresario Jerry Masucci y el músico Johnny Pacheco.



El encuentro de Pacheco con Lavoe es harto conocido. "Yo tocaba en un club, el Habana San Juan en la 137 y Broadway, en Manhattan", cuenta Pacheco. "Él se sentaba en la esquina del escenario y me pedía que lo dejara cantar, esto era como en el '67, por ahí. Yo le decía: ‘A lo mejor mañana’, y así lo tuve como dos semanas. Entonces un día le pregunté: ‘¿Tú te sabes la canción ‘La mujer del peso’?’. Me dijo que la tocara, que él la cantaba. Empezó a cantar y se quedó con el canto". A Pacheco le impresionó de inmediato el talento de Héctor para la improvisación. "Él soneaba sobre lo que estaba pasando en el lugar donde estábamos... La gente se volvía loca con él, creo que de toda la Fania era el que más el pueblo quería", dice el autor de ‘Mi gente’ y ‘El rey de la puntualidad’.


"Los fines de semana nos poníamos de acuerdo", dice Ismael Miranda, también de las estrellas de Fania. "Si tocábamos en Manhattan, él se quedaba en mi casa, y si era en El Bronx, yo me quedaba en la casa de él, que en esa época vivía en El Bronx. O si no, nos quedábamos en la casa de unas amigas en Saint Anns (una calle del Bronx)".

Como estas, hay muchas más, y son tantas las historias de la gesta de una época y de un género, pero más allá de ello, de una forma de ser y de una nueva cultura, que representaba la sencillez del barrio y la esquina, de esas que las hay por toda nuestra costa zamba..... Sonero!



miércoles, 5 de mayo de 2010

El adiós del Rey del Bolero

Todos tenemos alguna que otra tonada que nos remonta ineludiblemente a la infancia o a la etapa de la vida en que, poblada de recuerdos, ésta transcurre entre alegrías y penas, nostalgias le dicen algunos, marcas o huellas indelebles de aquello que nos golpeó de alguna manera.

De hecho, los boleros que hemos escuchado, desde nuestras respectivas infancias, nos remiten inmediatamente a las horas más cálidas de la inocencia y la emotividad. Y cuando el cantante de voz firme y varonil debe dejar este mundo por el desgaste del cuerpo físico que le fue dado, los recuerdos asociados a esas nostalgias se elevan hacia nuevos estados, en los que es posible lograr la inmortalidad del artista.



Lucho Barrios, nacido en el Callao, pero criado y hecho adulto en los Barrios Altos, es uno de esos casos extraños de inmortalidad. Desde prematuros escenarios, en los que su voz ya irradiaba la ternura y romanticismo de la juventud o, años después, cuando la firmeza de su timbre declaraba el desamor o la tragedia, Barrios estuvo siempre con el público que lo vio hacerse, edificarse, como el Padre del Bolero o el Rey del Bolero, epítetos que lo pintan de cuerpo entero.

En la década de 1950, aun siendo aficionado, Lucho Barrios participó en un concurso denominado "Escalera del triunfo" que se realizaba en los teatros de Lima, quedando finalista. Luego formó el Trío Los Incas, que tuvo una corta existencia.

Grabó discos sencillos con el sello disquero Smith. Fue Edith Barr quien lo ayudó a dar el gran salto internacional, al llevarlo a Radio Callao, donde conocería a Julio Jaramillo, quien quedó asombrado por su calidad vocal, y lo invitó a cantar al Ecuador. En 1957 ingresa a la Escuela Nacional de Ópera, donde se preparó hasta los 19 años, estudiando junto a Alejandro Vivanco.


Después de mucho esfuerzo logró grabar sus primeros discos. Uno de sus primeros éxitos fue el vals Juanita. Ya con una vasta fama en Ecuador, en 1960 decide regresar al Perú donde siguió cosechando éxitos que lo llevaron al estrellato en toda América, firmando para el sello disquero de Manuel Guerrero, Discos MAG, éxitos tales como "Marabú", "Me engañas mujer", "Mentirosa", "Me enamoré de ti", "Te alejas", "Copas de licor" y muchos más.

Sus discos llegaron a toda América. El 18 de septiembre de 1960 se presenta en la Quinta El Rosedal, Arica, Chile junto con la orquesta del Puma Valdez de Cuba, asistiendo más de mil personas en cada presentación. En 1961 volvió a Chile y en Santiago grabó su primer long play, creciendo aún más su fama en ese país, Argentina, México, e incluso en los Estados Unidos.


El 15 de noviembre de 1988, quizás tuvo una de sus más importantes presentaciones, en el teatro Olympia de Paris, en el cual se presentaron grandes figuras como Frank Sinatra. Lucho Barrios presentó esa vez boleros peruanos y música de Chile y Ecuador.

Entre los cientos de premios que Lucho Barrios recibió a lo largo de su carrera, el más memorable fue el que le entregó la Organización de los Estados Americanos (OEA) por su trabajo en favor del acercamiento de los pueblos a través del canto. Además, el 2002 el gobierno del presidente de Chile Ricardo Lagos lo condecora por ser un artista peruano con mucho arraigo en el pueblo chileno.

Luis Barrios Rojas, conocido artisticamente como Lucho Barrios, dueño de la exhorbitante cifra de 150 álbumes y más de 1,000 canciones grabadas, importante referencia del bolero en varios países de América Latina como Chile y Ecuador, el genial Mister Marabú, Rey del bolero, el "cabezón" de cariño, entrañable y querido por el público de la calle, descansa en paz!

sábado, 1 de mayo de 2010

Las 14 razones de Gisella Altuna


Chalaca de nacimiento, morena de piel canela, tierna voz y un talento en corazón abierto, nuestra expresiva y exquisita Gisella Altuna, cantante sobresaliente del ambiente limeño más contemporáneo acaba de lanzar su novísima producción 14 Boleros (TDV: 2010), una expresiva y sugerente selección de boleros clásicos con el toque no sólo romántico y delicado que es el mejor aporte de la cantante sino jazzeado que le concede un valor agregado al trabajo serio y concienzudo de los músicos y técnicos que la acompañan, como Gigio Parodi y Ervin Cabezudo.

Este que representa su quinto disco de su carrera, iniciada en el no muy lejano 1997, contiene dos de sus temas más queridos y entrañables, La Mentira de Álvaro Carrillo y Voy a apagar la luz de Armando Manzanero, que son su más preciados recuerdos del triunfo que le dio el espaldarazo para el inicio por la puerta grande de su carrera en el canto.

Desde sus inicios, al lado del maestro Mario Cavagnaro, Gisella Altuna ha recibido aportes y colaboraciones de figuras de primer nivel como Serafina Quinteras, Manuel Acosta Ojeda o Felix Pasache, lo cual representa la mejor manera de dar cuenta del increible potencial que veían en ella en sus primeros despliegues y que hoy, como una autentica diva del canto en nuestro medio, demuestra en cada presentación.




Recomiendo especialmente Que sabes tú, un precioso bolero de la Gorda de Oro, Mirtha Silva, de Puerto Rico, que llega conas guitarras más que precisas y que le dan marco musical inmejorable a la voz de la contagiante y desbordante Gisella Altuna. El disco lo pueden encontrar en Phantom.

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Pedro Vargas: El Tenor de América