Y llega el tresista y vibrafonista colombiano Dorancé Lorza y su agrupación Sexteto Café con este disco de 2004, "Salsa Pa' Ti". Estupendamente arreglado, el disco en general entrega una salsa con sutileza, elegancia y musicalidad, pero sin dejar de ser esencialmente una invitación al baile.
Como se menciona en su página oficial, Dorance Lorza y Sexteto Cafe han sido una de las principales bandas de la vibrante y exitante escena salsera de Londres desde su formación en 1996. Siendo pioneros a nivel mundial del renacimiento del sonido de la " Salsa con Vibrafono" a finales de la decada del 90. Fueron una de las primeras bandas en Europa en favorecer dicho sonido el cual nos recuerda aquellos combos salseros de los 1960’s y 1970’s como Joe Cuba Sextet / New Swing Sextet / Pete Terrace Combo.
Con los años, se han convertido en uno de los grupos de salsa más populares y solicitados en el Reino Unido, actuando en numerosos congresos de salsa y prestigiosos festivales de jazz. Lanzaron su primer album " Cafe Salsa" en 1997 con el sello PCP, seguido de " Salsa pa'ti " en 2004 en Candela, el cual fue incluido en lo mejor del año 2004.
Otro tema de Dorancé Lorza & Sexteto Café que recomiendo escuchar:
Love Is a Many Splendored Thing es el tema central de la película de 1955 del mismo nombre , dirigida por Henry King y protagonizada por William Holden y Jeniffer Jones, ganadora del Oscar de la Academia por la Mejor Banda Sonora Original, compuesta por Alfred Newman, así como Mejor Vestuario y Mejor Canción Original, precisamente el tema que hoy compartimos, compuesto por Sammy Fain (música) y Paul Francis Webster (letra).
Esta canción ha tenido innumerables versiones en las voces de los más grandes cantantes de todos los tiempos, desde Barry Manilow hasta Andy Williams, pasando por La Voz, Frank Sinatra y Dame Shirley Bassey. Esta versión del año 2013 llega en clave de latin jazz con el genial vibrafonista Christos Rafalides y su agrupación Manhattan Vibes, quienes la incluyeron en el disco "Blue November", grabado para su propio sello discográfico.
El disco busca rescatar la esencia de los sonidos urbanos, ese romanticismo de las melodías y los sentimientos que transmite. Aunque el tema Love is a many splendored thing ya fue grabado anteriormente por el mismo Rafalides y su Manhattan Vibes en la producción "Van Gogh by Numbers" del año 2005, esta nueva puesta dista de lo experimental de aquella, acercándose más a lo melódico, sin perder la esencia del buen jazz, elegante y sobrio, al que nos tiene acostumbrados el vibrafonista griego, quien se nutrió en su formación musical de genios como Joe Locke.
Destacamos los créditos de la producción:
Christos Rafalides: vibraphone, marimba;
Sergio Salvatore: piano;
Mike Pope: bass;
Vince Cherico: drums, percussion.
En lo personal, la primera vez que llegó a mis manos un disco de Rafalides, fue en el año 2002, gracias a Juan Díaz Lecaros, quien me hizo escuchar ese estupendo arreglo instrumental del clásico de Pacheco y El Conde, La esencia del guaguancó. Desde allí he seguido atentamente la trayectoria de este genial y dinámico vibrafonista.
Otros temas de Christos Rafalides & Manhattan Vibes que recomiendo escuchar:
La consagrada cantante nacional Cecilia Bracamonte Chocano, criolla por tradición e intérprete por vocación, celebró con un fastuoso concierto en el Gran Teatro Nacional de Lima, sus 50 años de carrera artística. Lo hizo en momentos en que, como el buen vino, su arte está más exquisito que nunca.
Afiatada voz, estupendos arreglos, sensibilidad a flor de piel, emotividad e intimismo, son algunas de las ideas que se vienen a la mente al hablar de Cecilia y de su concierto, una noche de magia, en la que recorrió el tiempo envuelto en notas musicales con su repertorio de 5 décadas.
Pero sorprendió con este arreglo en salsa de su viejo clásico, Olvida, composición de quien fuera su esposo, el genial Augusto Polo Campos. Realmente, quedarás sin aliento.
Otros temas de Cecilia Bracamonte que recomiendo escuchar:
Mais que nada es un clásico del Brasil que nos ha logrado impactar en algún momento. Es una de esas piezas eternas, complejas, redondas, que siempre engancha y que ofrece además, por si todo lo dicho fuera poco, infinitas posibilidades para la recreación, improvisación y arreglos, una especie de lienzo artístico sobre el cual muchos músicos se han inspirado.
La canción fue escrita e interpretada por Jorge Ben en su primer álbum, "Samba Esquema Novo" de 1963, pero cuya más difundida versión es la del pianista también brasileño Sergio Mendes, junto al grupo Brasil '66, en una producción grabada para el sello A&M Records. El álbum "Herb Alpert Presents Sergio Mendes & Brasil '66" fue todo un suceso de ventas en el mundo. Es aversión ha quedado imortalizada para las generaciones futuras. El mismo maestro Santos Mendes regrabó el tema pero en una versión hip-hop en el año 2006 al lado del grupo The Black Eyes Peas en el álbum Timeless
El maestro Mendes lamentablemente falleció el abril de 2015 sin una correcta difusión, a pesar de la enorme influencia que marcó durante varias décadas en la música no solo de Brasil sino del mundo entero, atarvesando con su arte varios géneros musicales y sus fusiones.
La versión que les traigo es la del maestro Oscar Peterson, el pianista de jazz considerado por muchos como una de las columnas vertebrales del jazz. El tema fue grabado en 1966 e incluido en el álbum "Soul Español" producido para el sello Limelight, junto con otros clásicos del bossa nova y del Brasil en general.
Participan en el álbum:
Bass – Sam Jones
Drums – Louis Hayes
Percussion – Harold Jones, Henley Gibson, Marshall Thompson
Conga - Henley Gibson
Timbales - Marshall Thompson
Piano – Oscar Peterson
Producer – Hal Mooney
Otros temas de Oscar Peterson que recomiendo escuchar:
El saxofonista Julian Edwin Adderley, conocido como Cannonball Adderley, ha sido uno de los más influyentes músicos de hard bop y soul jazz de que se tenga registro.
Nacido en Florida en 1928, empezó su trabajo profesionalmente en los cincuentas, luego de haber integrado la banda del bajista Oscar Pettiford. A finales de la prodigiosa década del 50 y principios de los 60, Adderley formó cuadros de lujo, al lado de Miles Davis, Paul Chambers o Red Garland, además partició del mejor disco de jazz de la historia, el célebre "Kind of blue".
Ha dejado piezas increibles para la posteridad, trabajos de gran calidad estilìstica, un gran dominio de los giros melódicos y armónicos y una extremada sensibilidad para interpretar, que quizás sea su sello más característico y lo que lo llevó finalmente a ser considerado una leyenda en el jazz.
Publicado en 1968, el disco "Accent on Africa" se embebe de la onda de retorno a las raíces de los músicos en casi todos los géneros, buscando el ansiado reencuentro con las esencias más originales de la música y del arte en general. Hacia finales de los sesentas y buena parte de los setenta, la influencia del soul y el funk marcaron la pauta de la tendencia musical, así como la búsqueda de las huellas perdidas en África, una ruta que Cannonball también siguió, produciendo el disco "Accent on Africa" para el sello Capitol, haciendo 4 temas por lado en lo que es en lo personal uno de sus mejores trabajos.
Lo acompañan su hermano Nat en en corno, y aunque está acreditado como Quinteto, en realidad es una gran banda, acorde con la propuesta africana en la que Adderley permite sobresalir la percusión, protagonizada por emotivos y retumbantes tambores, así como el ritmo alegre y con atisbos tribales en homenaje a la vida, algo esencialmente africano.
Los arreglos son del músico Hidle Brown "H. B." Barnum, un extraordinario artífice de éxitos ligado a estrellas de la talla de Count Basie, Frank Sinatra, Etta James y Lou Rawls.
El vocablo Lehadima significa relámpago en lengua sesotho.
Otros temas de Cannonball Adderley que recomiendo escuchar:
El pianista, compositor y arreglista de juazz Columbus Calvin Pearson Jr, conocido como Duke Pearson llega con este célebre disco de 1968, "The Phantom", grabado para el sello Blue Note, uno clásico del jazz, un elogio elegante del buen gusto y delicadeza al ejecutar el pìano, envuelto en ese halo de soul pero sin apartarse más de lo necesario.
Fallecido tempranamente debido a una esclerosis múltiple, Pearson compuso y publicó como acompañante y también como solista, varios álbumes que hoy son considerados preciadas joyas del jazz.
El disco "The Phantom" fue publicado el 11 de setiembre de 1968 en el sello Blue Note. Las composiciones de Pearson son nuevamente elegantes, soberbias, pero sobre el tema que da nombre al disco, The Phantom, una vibrante y cadenciosa secuencia de percusión alternando con un tema y variaciones.
Sin embargo, elegimos en esta ocasión el tema Say you're mine, una composición para piano que se desliza entre lo nostálgico y lo dulce, características de un buen clásico del jazz.
Los músicos que intervienen en el disco son:
Duke Pearson - piano
Jerry Dodgion - flute, alto flute
Bobby Hutcherson - vibes
Sam Brown, Al Gafa - guitar
Bob Cranshaw - bass
Mickey Roker - drums
Victor Pantoja - congas
Carlos 'Patato' Valdés - conga, güiro
Sin duda la presencia del conguero cubano Patato Valdés enaltece más el genio musical del maestro Pearson.
Otro tema de Duke Pearson que recomiendo escuchar:
El LP "Un encuentro con La Lupe" de 1974 para el sello TICO marcó la reunión de dos gigantes, uno en la composición, el gran Tite Curet, y ella en la interpretación, La Lupe.
Se trata de un disco con algunas de las composiciones más arrebatadoras de Catalino Curet servidas para que La Lupe se despache como solo ella podía, como es el caso de este bolero Sargaso, muy en su estilo.
El disco cuenta con los arreglos y producción de Joe Cain, Héctor Garrido y Papo Lucca; además, la guitarra de Vincent Bell, las trompetas de Bombertito Zarzuela, Larry Spencer, el trombón de Barry Rogers, y el tres de Harry Viggiano.
Otros trabajos de La Lupe que recomiendo escuchar:
Uno de los mejores congueros de la historia de la música latina, habida cuenta de los grandes maestros que lo antecedieron en el manejo diestro de los cueros, el puertorriqueño Giovanni Hildalgo, conocido como Mañenguito por el sobrenombre de su padre, el gran Mañengue,l queien se luciera como conguero de Richie Ray & Bobby Cruz, entre otras agrupaciones.
Hidalgo ha sobresalido con nombre propio en la escena musical alternando con bandas como la de Tito Puente y también como solista. Son célebres los discos al lado del trompetista también boricua Humberto Ramírez o junto al virtuoso pianista dominicano Michel Camilo.
El disco de 2009, "Silvergold", grabado para el sello Incipit Records es poco conocido y difundido, pero no menos desbordante en la pasión e intensidad que siempre impregna Hidalgo en sus trabajos.
Otros trabajos de Hidalgo que recomiendo escuchar:
Acaba de aparecer y ya lo tenemos para ustedes amigos, lo nuevo del maestro Rubén Blades, acompañado de la Orquesta del también panameño Roberto Delgado. "Son de Panamá" es uno de esos discos redondos que llegan en el momento preciso de madurez de un artista. Y decir madurez en el caso de Rubén Blades es mucho, ya que su lucidez intelectual ha sido providencial en el continente y en el mundo, señalando los defectos de quienes controlan y la esperanza de quienes se esfuerzan. Los arreglos que aporta Roberto Delgado son geniales, la voz madura y profunda de Blades y la experiencia que cada fraseo deja ver por entre los versos y los giros melódicos. Un regalo para los oídos.
El disco ha sido reseñado por el propio Rubén a través de su cuenta oficial en Facebook:
Escribo estas líneas con entusiasmo y satisfacción, para referirme a mi nuevo disco, SON DE PANAMÁ. El título del álbum refleja mi eterna gratitud por ser panameño y mi complacencia al declararlo públicamente, una vez más. Pero además el álbum es de factura panameña en su totalidad, al igual que lo fue "La Rosa de los Vientos”, producido en 1996. Son panameños los músicos de la excelente Orquesta del Maestro Roberto Delgado, que me acompaña en el disco, así como también toda la parte técnica de la producción.
Pero mas allá de lo obvio, una razón sentimental se sobrepone a cualquier otro argumento. Los que hemos trabajado en este álbum creemos en nuestro país y en nuestra capacidad, tanto individual como colectiva. El producto que presentamos a la consideración mundial lleva el sello de esa confianza y es el resultado de la disciplina y la entrega profesional, elementos fundamentales para competir exitosamente y obtener el reconocimiento y el apoyo popular, nacional e internacional. Es un trabajo que acredita la calidad del músico y arreglista panameño, y por tanto latinoamericano. Me complace manifestar una vez más que la Orquesta de Roberto Delgado, como se ha demostrado en innumerables conciertos en exigentes escenarios mundiales, reúne las condiciones necesarias para enfrentar cualquier desafío. Es una satisfacción especial el poder ser acompañado por una orquesta nacional de este nivel de calidad.
Gracias!
Paso a describir brevemente cada una de las piezas de este nuevo disco.
1. LAS CALLES, una canción dedicada al sector popular, a todos aquellos que provenimos de barrios donde nuestros padres mueren sin haber gozado de cosas tan simples como vacaciones, y donde el honor y el sacrificio aun tienen significado. Soy de allí, de los que sobrevivieron; soy el hijo de Anoland. Este tema, grabado inicialmente como parte del disco Cantares del Subdesarrollo, es presentado ahora con un excelente arreglo de Roberto Delgado.
2. CAÍN es un tema nuevo que describe la terrible circunstancia del primer asesinato del mundo, según la Biblia. La canción plantea el tema de cómo reparar una acción que entraña un horroroso desenlace, para lo cual arrepentirse no resulta suficiente. ¿Cómo alcanzar la redención? ¿Es acaso posible?
3. OJOS DE PERRO AZUL formó parte del álbum titulado Agua de Luna, grabado con la agrupación Seis del Solar, de muy grata recordación. Utilizando la base del arreglo original de Oscar Hernández, el bajista y director Roberto Delgado hizo ahora una versión para banda de metales, que en mi opinión le ha dado mayor fuerza interpretativa a la canción. El tema es una interpretación personal de un cuento corto del querido amigo "Gabo", escrito con su apoyo y permiso, y es un comentario al estado actual del mundo.
4. VINO AÑEJO, originalmente incluido en el disco La Rosa de los Vientos, es un tema del panameño Roberto Cedeño, uno de mis "amigos históricos”, excelente compositor y miembro fundador del grupo Los Salvajes del Ritmo, allá por los años 60. Esta canción fue muy bien recibida en Venezuela y esperamos ahora que la nueva interpretación vuelva a tener la recepción favorable que recibió hace 18 años.
5. PARRHESIA, una palabra extraña, es un vocablo griego. Según Michel Foucault la parresia es el reconocimiento de la verdad como un deber moral, aunque produzca consecuencias no deseadas a quien la diga. Es preferir la verdad a la falsedad, es optar por el riesgo que entraña decir la verdad, en lugar de escoger la seguridad que ofrece el silencio; es aceptar la crítica y la reprobación en vez de la adulación y el halago. Estados Unidos, un país complejo, posee contradicciones políticas que son públicas y conocidas. A pesar de los obvios avances en áreas que resultaban imposibles de imaginar hace apenas 55 años, -del racismo en Little Rock, Arkansas, a un Barack Obama presidente- los fundamentos de su contradicción, lo que dice versus lo que hace, aun no han sido resueltos. El resto de América es usualmente ubicado por los analistas norteamericanos en una posición de inferioridad económica, moral y política, pero tal evaluación carece de veracidad histórica, no basada en los hechos si no en interpretaciones sofistas y acomodos fariseos que varían de acuerdo con las supuestas y fluctuantes necesidades del "interés nacional” de la sociedad estadounidense. Como ejemplo de contradicción; aceptar la dictadura comunista en China por motivos económicos mientras se ataca la dictadura Marxista-Leninista en Cuba por motivos políticos, (los votos de Florida y New Jersey).
Expresar esta opinión representa un ejemplo de Parrhesia que provocara ataques de la Izquierda y de la Derecha. Pero los hechos son, como definió John Adams, testarudos. No pueden ser cambiados por la pasión, ni por la inclinación de nuestros deseos. Creo en la razón y en el poder del hecho. Creo que la mayoría de los pueblos también lo hace.
6. ME RECORDARÁS es un bolero del cubano Frank Domínguez, que ya había interpretado antes. No he grabado muchos boleros acompañado por una banda, pero me pareció que esta es una canción que se presta para el tipo de sonido de "Big Band" característico de los arreglos de Roberto Delgado
7. OLAYA es el nombre de una joven vasca de San Sebastián, que trabajo como parte de la producción en una de mis giras Europeas. Luego del último concierto, en San Sebastián, le pregunte su nombre al despedirme y respondió, "me llamo Olaya". Esta canción tenia por titulo original, SORAYA. Pero el nombre Olaya, que me sonó mas cubano que vasco, me pareció mas adecuado y exótico. Le dije, “te voy a dedicar un tema” y ella, que sospecho me creía medio loco, me obsequio una de esas sonrisas que nos dicen, "no te vas a acordar". Olaya: tarde pero seguro, aquí está!
Creo que el coro principal de esta canción es uno de los mejores que he creado y en cierta forma es mi homenaje al gran cantante y compositor cubano Francisco Fellove, a quien tuve el honor de conocer en Panamá. Fellove fue el autor del excelente tema El Jamaiquino, canción poseedora de giros cromáticos completamente innovadores para su época.
Con un estilo único, combinaba elementos de "feeling" con los modos tradicionales de la música popular cubana y desafiaba la tradicional forma de cantar. Un "fuera de serie" es el gran Fellove. En el me inspire para el coro de Olaya.
8. LA CAÍNA es otra canción grabada originalmente con Seis del Solar en 1985, que tenía un excelente arreglo para vibráfono. Esta nueva versión adquiere un “swing” especial con la trompeta de "Wichy" López. En este mismo disco hay también otra versión del tema, interpretada por otro artista.
9. OTRA CANCIÓN DE AMOR, del magnífico canta-autor panameño, Rómulo Castro, también autor de La Rosa de los Vientos. Escuché este tema en un disco de Rómulo, originalmente grabado por el propio Roberto Delgado, y me pareció excelente. No he cantado muchos temas románticos en mi carrera pero este me pareció de los más apropiados para incluirlo en esta producción. El soneo, "camino entre estrellas siguiendo tu huella y te encuentro esperando en el balcón" o algo así, es ejemplo de lo que ese arreglo hizo que brotara de mi. ¡Un tremendo número musical! ¡Un tremendo arreglo! Y muy bailable, como todo el álbum.
10. EN ESA CASA es una canción que aborda el problema de la violencia doméstica, una transgresión inaceptable que ocurre en nuestras sociedades y que se ha recrudecido en los últimos anos. En toda Latinoamérica, los casos de violencia contra la mujer van en aumento. En Panamá se han incrementado los casos de homicidio cuyas víctimas son mujeres. Igualmente hay otros tipos de violencia contra de la mujer, como no pagarles el mismo salario que se le paga a un hombre por hacer el mismo trabajo. La violencia doméstica afecta también a los niños, el sector de la sociedad con menos protección porque no votan y no poseen representación política, ataques que en muchas casos provienen de sus propios familiares, a lo cual también se suma el abuso sexual y sicológico del menor. Y ahora en las escuelas son perseguidos por el espectro del "bullying", la modalidad de abuso perpetrado por menores de edad contra menores de edad. La canción ha sido cedida a grupos que se dedican a hacer público el problema de la violencia doméstica en Panamá y de igual manera la cederemos a quienes la soliciten para tal propósito. Es un tema duro de escuchar. Cuando lo toqué por primera vez en vivo, la audiencia estaba en silencio total. Otra vez, preferimos laparrhesia al silencio encubridor. Admitir que nuestra familia no es perfecta resulta difícil y hacerlo publico, doloroso. Pero el silencio es peor.
11. TERESA BATISTA es una composición original del panameño Jose "Pepe" Calderón. La escuché por primera vez hace más de 20 años, en Panamá. Con la venia de mi paisano, el Dr. Calderón, hice algunos cambios a la letra original. Esta canción se me antoja una representación de una de las hijas de la señora del balcón de En Esa Casa. Esta es una de esas mujeres que logran evitar, con decisión e inteligencia, el mismo ciclo que alguna vez atrapó a su madre. “Para evitar los errores de su mamá”, dice la canción, y pienso yo, romper el silencio ante los abusos y no excusarlos nunca más.
12. EL PERDÓN es una composición del también panameño Omar Alfano, un escritor de éxitos interpretados por los nombres mas conocidos del ambiente artístico internacional. Interpretar uno de sus temas es una distinción especial y para ambos representa un sueño cumplido. ¡Gracias Omar!
13. LA CAÍNA, interpretada en la versión de Medoro Madera, es otro sueño cumplido. Desde hace mucho tiempo, Medoro ha insistido en grabar conmigo algunos temas. Para satisfacerlo, y respetando su avanzada edad, decidí ofrecerle la oportunidad de cantar La Caína, que es interpretada por mi en otra parte de este CD. Debo confesar que la versión de Medoro es superior a la mía. Le prometí que dentro de poco finalizaremos el proyecto Las Cintas Perdidas de Medoro Madera, una serie de canciones con la formación de conjunto que Medoro grabó hace más de cuarenta años, y que recientemente han sido localizadas. Están actualmente en proceso de limpieza y adecuación al formato actual. Próximamente será anunciada la fecha de su presentación pública.
Espero que estas notas ayuden a comprender mejor este nuevo trabajo. Ojalá les guste y, por favor, recomiéndenlo a sus amistades. Es una producción de Rubén Blades para “bailar y gozar”, como dice Medoro Madera.
Nos toca despedir con palabras sentidas al maestro Manuel Acosta Ojeda, bastión último de los compositores conscientes de la música criolla, un hombre de fe en el hombre mismo, que le cantó al amor, a la tierra, a la gente, a la costa y a la sierra, que se paseó por el mundo entero llevando su arte y sensibilidad, bohemia incansable pero por sobre todo un cultivado honbre de tolerancia y aguda inteligencia.
Como se ha señalado en medios de prensa en estos días, el reconocido maestro de la canción criolla y andina partió físicamente esta madrugada a la 01:24 horas en el Policlínico Grau debido a afecciones propias de su edad. A sus 85 años, Manuel Acosta Ojeda partió rodeado del cariño de sus familiares y sus amigos más cercanos.
Manuel Acosta Ojeda, tuvo una trayectoria artística de casi siete décadas en la que fue pionero en integrar la música andina y criolla. Fue parte de una generación selecta de artistas e intelectuales como Luis Abelardo Núñez, Carlos Hayre, Juan Gonzalo Rose, el Jilguero del Huascarán, entre otros, con quienes compartió además un compromiso por la justicia social.
Ocupó diversos cargos gremiales en sindicatos y agrupaciones de artistas, recibió diversos premios y condecoraciones.
El país pierde a un artista integral, un músico excepcional y a un luchador social irremplazable. Queda la tarea de difundir su obra a las futuras generaciones.
Sobre la música criolla solía decir que era necesario que las nuevas generaciones la estudie, ya sea para adoptarla o desecharla pero conociéndola primero. Así enfrentaba el tema del cambio y la evolución natural de las sociedades hacia nuevas formas de expresión artística.
Algunos de sus mejores valses: Siempre, Canción de fe, Puedes irte, Cariño, Madre, entre otros.
Álbum de 2008, "BembéDoble", grabado en vivo, con el extraordinario músico Bobby Carcassés (Roberto Arturo Carcassés Cuza), cantante, arreglista y trompetista, embebido entre las fuentes del jazz y la música tradicional cubana.
Aunque nacido en Jamaica en 1938 mientras su padre se desempeñaba como Cónsul cubano en Kingston, no se ha apartado de sus raíces cubanas ni por un momento.
Es un artista completo, musical por sus 4 costados, curtido y nutrido de las fuentes académicas más cultivadas en Cuba, así como del jazz que tanto le apasiona. En 1979, por ejemplo, se van cimentando las bases del Festival Jazz Plaza de La Habana, del que es su primer Presidente. Desde 1988, Bobby Carcassés ha recorrido un amplio circuito de Festivales, Teatros, Clubes en los cinco continentes, regresando siempre a La Habana, a su querido Festival Jazz Plaza.
Además de músico se desempeña muy solventemente como artista plástico. Como dibujante y pintor ha exhibido sus obras en los Estados Unidos de Norteamérica, España, Alemania, Canadá y Sudáfrica.
El tema que seleccionamos es arraigado, con aroma de mango, soleado y airoso, como la voz del maestro Carcassés, como uno de sus cuadros, en los quer imaginariamente retrata la fresca brisa de Cuba, monte adentro.
En el año 2004, la exitosa y muy reconocida cantante de jazz, ganadora del premio Grammy por su disco "Eleanora Fagan (1915-1959): To Billie with Love from Dee Dee Bridgewater" de 2011, presentó para el Estival Jazz de Lugano, Suiza, su show "Latin Landscapes", para lo cual tuvo la genial iniciativa de convocar al saxofonista David Sánchez para que la acompañe y la dirija.
El resultado fue impresionante, el recorrido por el que Sánchez lleva a la Bridgewater es sorprendente, latino, jazzístico, complejo, profundo.
Los músicos que intervienen son:
Dee Dee Bridgewater: Vocals
David Sanchez: tenor sax
Edsel Gomez: Piano
Ira Coleman: bass
Minino Garay: percusión
Ignacio Berroa: drums
El tema escogido es emblemático, se trata de "Adoración", el tema que todos sabemos e identificamos con el genio de Eddie Palmieri, grabado originalmente en el álbum "Sentido" de 1973 para el sello Mango en el que la voz de Ismael "Pat" Quintana luce de manera más que idónea alternando con el solo de bongó de Tommy "Chucky" López que tanto apasionó a los melómanos desde su aparición.
El muy querido y carismático cantante Ismael Miranda, conocido por sus seguidores como el Niño Bonito de la Salsa, lanzó el año pasado su disco "Son 45", un homenaje propio que quiso hacer a su trayectoria y permanencia en los escenarios, con la vigencia que le da el saberse fundador de una parte de la historia de nuestra música latina y poseedor del cariño de la gente de América y el mundo que ha seguido con atención su carrera y han hecho suyos sus canciones en estos años, desde los tiempos de la Orquesta Harlow hasta su etapa de solista.
La historia comenzó en 1967 con el álbum "El Exigente", en el que debuta como vocalista de la Orquesta Harlow, aunque la audición que le abrió las puertas no fue con Larry sino con su hermano Andy Harlow. De ahí en adelante, la historia es harto conocida. El álbum, por cierto, incursiona fuertemente en el boogaloo, pero hay 3 temas en los que un muy jovencito Ismael Miranda Carrero arremete con su melodiosa y potente voz. Sobresalen las salsas "Rumba me llaman" y "Las Luces".
El año de 1967 fue clave para la gesta de la salsa, pensando en ella como producto nacido de la creativa participación y el tenaz empuje del empresario Masucci y el flautista y arreglista Pacheco.
Los años siguientes significaron para la dupla Harlow-Miranda una seguidilla de éxitos, hasta que en 1973 Miranda se separa de la banda. Los años setenta y ochenta fueron para el Niño Bonito una especie de gran escenario para sus éxitos:
Incluso en 1984, Miranda logró lo que pocos han podido conseguir en sus carreras, cantar con la Decana, la legendaria Sonora Matancera, un sobresaliente mérito que exhibe en su larga lista de aciertos, premios y logros.
Nacido en Aguada, Puerto Rico, en 1950, la trayectoria de Ismael Miranda ha sido más que inlfluyente, ha sabido hacerse del espacio para el afecto del público que lo ha seguido durante estos 45 años y de sus compañeros de arte, quienes lo siguen, consideran y respetan.
Y así llegó el disco "Son 45", bajo la producción de Víctor Manuelle, amigo personal y admirador de Miranda, quien no tuve mejor idea que idear e impulsar desde la producción ejecutiva este álbum que es a la vez un regalo para los fanáticos.
Las composiciones del álbum pertenecen a Víctor Manuelle, Juan José Hernández, José (Leni) Prieto, Harold Acevedo y Johnny Ortiz. De su disco, dice el propio Ismael: “Esta nueva producción se hizo con mucho cuidado y responsabilidad social, para que todo tipo de público pudiera disfrutarla. Quisimos complacer, tanto a la nueva generación de salseros, como a los que siempre han disfrutado la buena salsa, implementando la maestría de la salsa clásica y las nuevas influencias de la salsa moderna".
En el disco, Miranda se pasea con absoluta solvencia por la salsa bailable, la de contenido, el arreglo elevado y el bolero. Especial mención por su participación tienen los maestros Richie Ray, Bobby Valentín y Roberto Roena, quienes intervienen en el tema Piano, Bajo y Bongó.
El célebre disco de 1963, "In Puerto Azul, Venezuela" incluye, entre otros, nùmeros propios del cantar sudamericano, como el clàsico venezolano Alma llanera y la cumbia colombiana La Pollera colorà, pero sobresale la composiciòn de Tata Guerra, Charanga con bossa nova, un tema con personalidad propia.
De hecho, la orquesta que habìa formado el maestro Tito Rodrìguez estaba sòlida aunque no muy recibida en los escenarios de New York. 1963 fue un año increìble en cuanto a grabaciones, como lo demuestran los álbumes "Live at Birdland" y "From Hollywood", pero por què Venezuela?
Hacia inicios de los años sesenta, Caracas era sinònimo de èxito como ciudad, como estilo de buen gusto, como una gran metròpoli en ascenso, casi que otrora lo fueron Buenos Aires en las primeras dècadas del siglo pasado y luego Mèxico DF, ambos ejemplos de industria discogràfica ademàs.
Los famosos Carnavales de Caracas fueron pretexto màs que suficiente para darle el respiro que Rodrìguez y su banda necesitaban en momentos crìticos, recordemos que al año siguiente, hace un alto y graba el antològico disco "With Love". Ademàs, Tito tenìa especial aprecio por Caracas desde sus años como parte de la Orquesta del maestro Josè Curbelo.
Su participaciòn en los Carnavales de Caracas de 1963 le valiò hacerse del premio Momo de Oro a la mejor orquesta visitante, gran espaldarazo. En el disco, une su nombre al del exclusivo Club Privado Puerto Azul, ubicado en las cercanìas costeras de Caracas y ademàs lanza su combativo tema El criticòn, pero esa es otra historia.
Con Gino Castillo tengo una amistad honesta y respetuosa, nacida de la pasión por la música, él haciéndola y yo coleccionándola. Nos unen además reíces peruanas que nos acercan, él en su Ecuador oriundo pero alimentado en los tambores cubanos desde adolescente.
Nos sorpendió con su disco "Ya llegué" del 2009, ahora Gino Castillo, radicado actualmente en Charleston presenta su trabajo más reciente, fechado en el 2014 bajo el nombre "SoulFunkubanized".
La propuesta es clara, mezclar coherentemente el funk, el soul y los ritmos afrocubanos. El resultado es redondo, consigue equilibrar la sonoridad, cerrando con arreglos frescos, cargados de energía y profundidad.
Las voces femeninas logran el efecto de R&B tan bien conseguido, redefiniendo los géneros americanos derivados del blues y el disco de los efervescente setentas y acercándolos a nuestra esencia latina. Tuvimos la oportunidad de conocer el trabajo en su etapa final de post producción y nos pareció sencillamente arrollador. Fue durante la producción del tema En la ciudad de la furia (Homenaje a Gustavo Cerati) que hiciéramos con el pianista peruano Luchito Muñoz, número en el que Gino Castillo participó gentilmente en las congas.
El tema escogido es "Shining star", un viejo clásico de Earth, Wind & Fire, grabado en 1975 en el álbum "That's the way of the world" y que fuera número 1 en el ranking Billboard Hot 100, consideradas una de las obras cumbres del funk.
Los músicos que lo acompañan son:
Zandrina Dunning: vocales
Kelly Eldridge: vocales
Elise Teston: vocales
Leah Suarez: vocales
Kanika Moore: vocales
Eshe: vocales
Gino Castillo: vocales, percusion cubana
Quentin Baxter, Calvin Baxter, : bateriaRon Wiltrout, Albert Jenkins: bateria
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