(2018) Carlos Jiménez Mambo Dulcet - Red tailed hawk Vol 3

El flautista Carlos Jiménez tiene toda la esencia puertorriqueña en las venas, a pesar de haber nacido en New York. Es más, su formación musical la inició en Puerto Rico y la completó en La Gran Manzana, estudiando a los grandes del latin jazz. 

Jiménez ha sabido cultivar varias virtudes musicales a lo largo de su formacion y experiencia en la música y los escenarios, es cantante, compositor, arreglista, además de flautista. 

Este sobresaliente y dedicado músico está profundamente involucrado con el jazz y los ritmos latinos, como es natural, y desde que lanzó el primero de los volúmenes de la serie Red tailed hawk se ha empeñado en destacar los grandes estándares que lo han ido cautivando en su vivencia personal, tanto en el latin jazz, el jazz y la música cubana. 

En este tercer volumen "Red tailed hawk Vol 3" (2018), una co producción entre Carlos C. Jimenez y Cjmartinete Music Co, la idea es más bien como un tema convariaciones, centrado en 2 líneas centrales, la salsa y el latin jazz, para lo cual se ha sabido acompañar de extraordinarios maestros de nuestra música sabrosa, como Oscar Hernández y Eddie Moltalvo, leyendas vivas de los ritmos latinos. 

Los Músicos que intervienen: 

Carlos Jiménez – flute/vocals/composer/arranger

Oscar Hernández – piano/conductor

Eddie Montalvo – congas

Nicky Marrero – timbales

Ray Martinez – bass

Lewis Kahn – violin/trombone

Ivo Tirado Jr. – bongo/cowbell/coro

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(1980) Fania All Stars - California Jam

Aunque fechado en 1980, el disco fue lanzado oficialmente el 31/12/1979, Año Nuevo y cierre de una era. La hisoria de la música reconoce que con los 70 se murió mucho más que una década, se apagó una luz que nunca más veríamos brillar en las discos y las luces de colores. 

Sin embargo, la magia de la Fania All Stars ya venía apagándose un poco antes, por varias razones, entre propias y ajenas. En las primeras se cuenta la falta de disciplina entre los músicos y cantantes y el descontecto de los artistas por aspectos contractuales que los obligaban a amarrarse a una rigidez antinatural en términos artísticos. En lo externo, el propio derrotero de la música y los cambiantes gustos del público a los que las disqueras poco o nada prestaban atención. 

Hacia fines de 1979, por acuerdos de contratos de servicio de la casa Fania con otros sellos, la Fania logró sacar al mercado  álbumes grabados para CBS en lo que se conoce como el período crossover de incursión en fusiones y experimentación con el rock. 

"California Jam" (1980) es un disco que incluye únicamente a los Fania Six originales, reforzados por músicos expertos y reconocidos en Los Ángeles, sede de la CBS, liderados por el productor del disco, Gene Page. 

Los discos del período crossover fueron "Delicate and jumpy" (1976), "Rhythm Machine" (1977), "Spanish Fever" (1978) "Crossover" (1979). Lo curioso del devenir de la historia es que el "California Jam" salió prácticamente de casualidad, entre ensayos y versiones alternativas de descargas e improvisaciones de jazz. 

Al final de la experiencia Columbia, Masucci archivó las cintas y las conservó hasta que en 1980 las publicó con el nombre de "California Jam" que todos conocemos. 

Los músicos que participaron: 

Ray Barretto - congas

Roberto Roena - Bongó

Nicky Marrero - timbales

Bobby Valentín - bajo

Papo Lucca - piano

Johnny Pacheco - flauta

Steve Winwood - guitarra eléctrica

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(1982) Silvio Rodríguez - Unicornio

Célebre álbum "Unicornio" (1982), para SGAE y Ojalá, a cargo del cantautor cubano Silvio Rodríguez Domíngues, en un contexto de tensión militar en la Cuba pos revolución. 

Como se cuenta en la contraportada del álbum LP, "La canción con que quisimos comenzar el mensaje de este disco fue compuesta a finales de 1981, cuando el gobierno de los Estados Unidos comenzó a realizar amenazadoras maniobras navales alrededor de Cuba. El pretexto de entonces era impedir un supuesto apoyo material de nuestro pueblo a la lucha de liberación de El Salvador, y en general de a la sufrida Centroamérica. En el hipotético caso de que nuestra soldaridad hubiese sido cierta ¿cabría explicar el sentimiento que la alentaba?". 

Los músicos que intervienen: 

Piano y Teclados – José María Vitier, Frank Fernández, Hilario Durán Torres

Bajo – Jorge Reyes Hernández

Batería – Bernardo García Carrera

Ritmo – Reinaldo Valera del Monte, Francisco Amat, Héctor Arcos Huergo

Guitarra – Ahmed Barroso Jorajuría, Osear A. Hernández Rodríguez

Flauta – José L. Cortés González

Flauta (Saxo) – Germán Velasco Urdeliz

Oboe – Antonio Sánchez Hernández

Clarinete – Rafael Inciarte Rodríguez

Fagot – Héctor Manresa Gómez

Trompa – Moisés Hernández Doménico, Francisco Santiago Novo, Darío Morgan González

Trompeta – Armando Galán Alfonso, Andrés Castro

Trombón – Antonio Leal Rodríguez, Demetrio Muniz Lavalle

Violín – Lino Alemán Arvelo, Jesús Ordóñez Enríquez, Norberto Rodríguez de Castro, Humberto Benítez Sarduy, Pablo Mesa Suárez, José Ferrer Sosa, Luis Barrera Fernández, Nydia Mieses López, Ana Martínez de la Junquera, Taras Domitrov García, Pedro Cartas Martín, Juan Corrales Subida, Andrés Collazo Rodríguez, Frank Arias Ramírez, Marta Duarte Mustelier, Rafael Machado Ruiz, Daqoberto González Hernández, Lázaro González Sibone, Rosa M. Estrada Nogueiras, Armando Toledo Cisneros, Heriberto Fonseca Ribesco, Guillermo Gutiérrez Consuegra

Viola – Mará L. Juan Carvajal, Rafael Cutiño, Roberto Herrera Díaz, Alina Neira Betancourt, José M. Fernández Rosado

Cello – Roberto Rodríguez Gómez, Juan Elósegui Pérez, Víctor M. Puentes Fiffe, Osvaldo Cañi zares Cabrera, Jorge S. Suárez Trueba, Miguel Reina de la Torre, Alberto Alen Pérez, Rodolfo Navarro Fernández

Contrabajo – Iván Valiente Valdés

Trío – Isidro Pérez Pérez, Osear A. Hernández Rodríguez, Waldo Domínguez Santiago.

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(2018) Marlow & Albita - Oshún (Feminomanía)

Anunciado para ser lanzado el Día Internacional de la Mujer de 2019 (08/03), el álbum "Feminomanía" (2019), para Inner Cat Music Group, la nueva producción que reúne a dos grandes de la música latina, Marlow Rosado y Albita Rodríguez, él de Puerto Rico y ella de Cuba, vuelven a hacer realidad eso de que "Cuba y Puerto Rico son de un pájaro las dos alas".

Y por si fuera poco, nos regalan miel para los labios con un potente single de adelante, Oshún, lanzado esta semana 

Criado en Cataño, Puerto Rico, pero formado en la música en el estado de Florida, Estados Unidos, Rosado es ganador de un premio Grammy por su excelente trabajo discográfico "Retro" (2012), para Pinkchaos Productions, por su tremendo trabajo de homenaje a los grandes maestros de la Salsa. 

Por su parte, la cubanísima Albita ha logrado afianzar su carrera con esfuerzo, además de abrirse camino fuera de la Isla, con mucho éxito en varios países del Continente. Ella tiene premios Latin Grammy en su haber por su trabajo como compositora y como cantante. 

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(1971) Alicia Maguiña - Alicia Maguiña

Señalaba don Manuel Acosta Ojeda () en su blog, sobre la figura del compositor criollo Alejandro Sáez León, "Los padres del criollismo, como Alejandro Sáez, estaban a la búsqueda de la belleza melódica y literaria en sus creaciones. Muchas veces tomaron versos de poetas para dignificar el canto popular". 

Don Alejandro compuso, entre otras maravillas, ese poema delicado de nombre La Cabaña, vals que hemos oído en numerosas versiones y estilos y que tiene en Las Limeñitas (las hermanas Graciela y Noemí Polo) a su máximas intérpretes:

Se acerca ya la noche,

en vuelo aligerado,

las aves van volando,

sus nidos a buscar.

Pálida y sonriente,

cual muere una esperanza,

yo veo en lontananza,

la luz crepuscular.

Esta versión ha sido rescatada de un viejo vinilo de mi colección para com partirlo en las Fiestas Patrias. Se trata del álbum "Alicia Maguiña" de 1971, grabado para IEMPSA-ODEON, con esa dulce y tierna voz que siempre fue el sello característico de una de las cantautoras màs inspiradas de nuestra rica base cultural peruana, la Sra. Alicia Maguiña Málaga, nacida en Lima en 1938.

Los arreglos en el disco son del maestro Carlos Hayre.

Autora de varias de las páginas más emblemáticas de nuestro canto criollo, también ha sido responsable de grabaciones y composiciones de corte andino, arte que supo cultivar con mucho respeto y dedicación. 

(2015) Yuri Buenaventura - Paroles

El cantante, compositor y muy talentoso productor musical Yuri Bedoya Giraldo nació en Buenaventura, Valle del Cauca de Colombia en 1967, y desde muy temprana edad se nutrió de la salsa que se hacía en La Gran Manzana y en otros lugares del continente, conocimiento que fue enriqueciéndose con el paso del tiempo y que le valió para subsistir en Prís, ciudad a la que fue a estudiar siendo joven. 

Yuri hizo música latina con sus amigos franceses y latinoamericanos en la Ciudad Luz en plena movida latina de la década del 90, lo que lo llevó a ser conocido como uno de los principales exponentes de la movida latina en París. 

Aunque intentó hacer carrera en Colombia, las dificultades para financiar sus proyectos lo devolvieron a Francia, en donde pudo no solo lanzar su primer álbum sino obtener su primer disco de oro en ventas. Lo demás es historia, Yuri sigue cosechando éxitos y difundiendo la música latina en Europa, sumando colaboraciones y composiciones a su ya fructífera carrera. 

Con el álbum "Paroles" (2015), para SME Francia, Buenventura vuelve a apostar por versionar en salsa algunas composiciones clásicas francesas y temas que en su momento pegaron en lengua francesa, tratando de recordarle a su público y cautivar a un público nuevo lo que significó su éxito con Ne me quite pas, el clásico de Jacques Brel que le diera fama a mediados de los 90. 

Se trata de temas de Charles Aznavour, George Brassens, Claude Nougaro o Edith Piaf. 

“Este álbum es un homenaje a la canción francesa, pero también al patrimonio del Caribe; es un diálogo entre nuestras culturas. Es una manera de entregarle a Francia un poco de nuestra riqueza polirítmica y enriquecer la música de Francia. Porque esos ritmos caribeños dialogan poco con la lengua francesa”, explicó Yuri Buenaventura con ocasión del lanzamiento del disco. 

“Poner en diálogo dos culturas es algo muy complejo. Y finalmente me doy cuenta que uno es muy atrevido porque estamos interpretando canciones de monumentos de música francesa. Charles Aznavour, por ejemplo, es muy conocido en América Latina, porque nos cantó en español, transmitiéndonos así una emoción más allá de la francofonía. Es muy atrevido, pero lo hemos hecho con amor”, agregó en cantante colombiano.

Los músicos que intervienen: 

Yuri Buenaventura – voz, líder; 

Carlos Sabogal “Caliche” – congas, bongo y campana; 

Diego Mayorga – Timbal; 

Carlos Galvéz – piano; 

Víctor Gonzales – piano; 

Julio Valdéz – bajo; 

Jorge Huertas – tres; 

José Aguirre – trompeta; 

Leo Aguirre – trombón; 

Richard Estela – trombón; 

Yeison Muñoz – trombón; 

Paul Gordillo – saxofón y saxofón barítono; 

Carlos Guerrero – coro; 

Orlando Hurtado – coro; 

Alejandro Iñigo – coro; 

Alex Torres – coro 

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(2018) Maite Hontelé - Cuba linda

Utrecht es una ciudad del centro de los Países Bajos, capital de la provincia del mismo nombre y por ende distinta de Holanda, que ha sido un centro religioso por siglos. Tiene una ciudad antigua medieval, canales, monumentos cristianos y una universidad muy prestigiosa. 

Esta acogedora y moderna ciudad vio nacer a la trompetista Maite Hontelé en 1980, quien tuvo la inquietud musical desde muy niña, perfeccionándose en su instrumento en el Conservatorio de Roterdam como en las diferentes agrupaciones en las que ha participado. Pero siempre tuvo inclinación por la música latina, la que escuchó gracias a la colección de discos de su padre. Finalmente, bordeando el año 2000 logró tocar en países de América del Sur, sobre todo en Colombia, país en el que radica, específicamente en la ciudad de Medellín. 

Su notoriedad y éxito han sido más que abrumadoras desde el 2010, no solo por la calidad de su ejecución, su respeto y apego por la música tradicional cubana, sino por el mensaje disruptivo que ha significado su presencia femenina en la música, como lider y no como adorno, un poderoso rol que la ha empoderado y que ha permitido transmitir un mensaje más sólido al respecto. 

“Cuba es la cuna, ahí empezó todo, porque a partir del son cubano se desarrolló la salsa. La música de Cuba tiene un estilo que me gusta mucho, está muy basada en la melodía y la trompeta cumple un rol muy importante tanto para tocar melodías como para improvisar sobre los ritmos cubanos”, ha destacado Maité Hontelé al presentar su nuevo disco, "Cuba Linda" (2018), grabado en los estudios de EGREM de Cuba para Merlín Producciones.

Con arreglos del colombiano Juancho Valencia y del cubano Alaín Pérez, el disco es un homenaje a la música cubana que exuda calidad y elegancia además de respeto por cada detalle cuidado al mínimo. Se nota que es una producción muy elaborada,  con una ejecución impecable, arreglos muy tirados a lo cubano, pero también salsas muy actuales, destacando el aporte de los invitados, Gilberto Santa Rosa, Oaín del Monte y la legendaria Orquesta Aragón, entre otros. 

Los músicos que participan: 

Maite Hontele – trompetas; 

Juancho Valencia – piano, rhodes, acordeon; 

Alain Perez – bajo, timbales, tres, vocales; 

Adonis Andres Panter Calderon – congas; 

Guillermo Del Toro Varela – bongo; 

Rolando Luna – piano; 

Eduardo Ramos Hernandez – timbales; 

Oscar Abueta – maracas; 

John Fernando Bolivar – guira y tambora; 

Taymi Nodarse – tres; 

Daniel Uribe – guitarra; 

Rafael Cos – violin; 

Juan Miguel Hechavarria, William Borego, Alejandro Fernandez Delgado, Rene Suarez Zapata – coros; 

Luis Miguel Sanchez – saxofon tenor; 

Thommy Lowry – trompeta; 

Yuniet Lombida – saxofon alto, saxofon bariton, flauta; 

Eduardo Sandoval – trombon; 

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(2000) Ray Barretto & New World Spirit (Feat. James Moody & Los Papines) - Transdance

Nacido en Brooklyn, El Barrio (el único enclave puertorriqueño y cubano de Manhattan en el lado este) y criado en El Bronx, Barretto había pasado de ser un colaborador en la década del 50 a ser un líder de banda en los años 60, 70 y 80 a través de su asociación con el omnipresente sello Fania. Barretto estableció un poderoso legado de trabajo grabado que emocionó a los bailarines y desafió a los músicos.

Tras años de èxitos con la salsa y sus incursiones en la fusiòn con el jazz, Barretto se dio cuenta, hacia mediados de los 80, que el paradigma de la mùsica estaba comenzado a cambiar, los cantantes eran cada vez más importantes que los músicos. Parecìa que los días de gloria de la Fania All Stars y su triunfo en el Yankee Stadium en 1974 estaban a una eternidad de distancia.

Por esa època, los arreglos habìan sufrido un trauma irreparable, habìan cambiado quizàs para no volver a ser los mismos nunca màs. Fue entonces que Ray se vuelca de lleno a su primer amor, el jazz. Sin embargo, tuvo la genial idea de ir de a pocos con el experimento. 

Su salsa se transmutó hacia arreglos atrevidos para la época, de hecho ya no fueron comerciales nunca más, pero le aseguraron un lugar en la eternidad de la calidad y el buen gusto. Reunió un puñado de músicos nutridos en el jazz y empezó la tarea de hacer escuela afrocubana para entregar un sonido más maduro.

Como siempre en su trabajo de calidad excepcional, Barretto exuda boricuidad en su etapa con New World Spirit, una conformaciòn con el clarìsimo compromiso de hacer mùsica de calidad y alta complejidad, una rica fusiòn en la que el jazz se entremezcla con sonidos y ritmos caribeños para ofrecer un produto sobresaliente.

En el álbum "Trancedance" (2000), para Circular Moves, Barretto que ya venía de una trayectoria asentada con New World Spirit, se apecia en su máxima expresión el sonido de fusión muy particular, que como él mimos afirmó no es de base latina y jazz entremezclados sino que es el uso de percusión afrocubana con jazz tradicional, puro y duro. 

Especial énfasis tiene el tema Para qué niegas, composición del gran Orlando 'Cachaito' López y arreglos de Adam Kolker, con intervención en la percusión de Los Papines de Cubita la Bella y el saxo formidable del genial maestro James Moody.  

Lo músicos del disco: 

Bass – Gregg August, Johannes Weidenmuller (tracks: 1, 2, 4, 8)

Congas, Vocals, Arranged By, Producer, Mixed By – Ray Barretto

Drums – Vince Cherico

Flute, Alto Saxophone – James Moody (tracks: 1, 2, 5, 6, 9)

Percussion – Bobby Sanabria (tracks: 2, 4, 9), John Rodriguez (tracks: 5, 9), Los Papines (tracks: 1, 2, 4)

Piano – John Di Martino

Soprano Saxophone, Tenor Saxophone – Adam Kolker

Trumpet – John Bailey (2)

Puedes leer más sobre Ray Barretto en: 

http://ferarca.blogspot.com/2008/10/el-alma-indestructible-de-ray-barretto.html

(2018) Dairo Miyamoto - Last Picture

El celebrado multiinstrumentista japonés, Dairo Miyamoto, no pudo ver terminado el trabajo que le rendìa homenaje gracias al empeño del trompetista Jun Miyake y en el que èl mismo estaba participando, falleciò en 2016. 

Con composiciones de Miyake, el disco " Last Picture" (2018), para Cristal Records, es un tributo en todas las dimensiones posibles, recurriendo a universos musicales disìmiles y estilos variados, despuès de todo nadie lo conocìa y admiraba màs que el propio Miyake, con quien Miyamoto trabajò toda su vida musical desde 1982 y hasta su fallecimiento. 

La música está unida en su diversidad. El álbum parece una serie de collages surrealistas. No busques una guía, los lectores ávidos de sonido, conducen la sed de ritmos. Prepárese para cambiar de dirección, dirección a cada nueva pieza. Lo increíble está a tu alcance.

Los mùsicos que participan: 

Alto Flute – Dairo Miyamoto (tracks: 4, 9)

Alto Saxophone – Dairo Miyamoto (tracks: 1, 2, 3, 4, 5, 10, 11, 12)

Baritone Saxophone – Dairo Miyamoto (tracks: 1, 2, 3, 10)

Bass – Hitoshi Watanabe (tracks: 4, 6, 9, 11, 12), Manuel Marches (tracks: 7)

Bass Clarinet – Dairo Miyamoto (tracks: 6, 11)

Bassoon – Masimo Fazzi (tracks: 4)

Cello – Barbara Le Liepvre (tracks: 4), Cyrille Lacrouts (tracks: 4, 6), Jérémy Bourre (tracks: 6), Vincent Segal (tracks: 11)

Contrabass – Amandine Dehant (tracks: 6), Etienne Durantel (tracks: 6)

Drums – Dairo Miyamoto (tracks: 9, 11), Hideo Yamaki (tracks: 9)

Electric Guitar – Masahiro Itamo (tracks: 8)

Electric Piano [Fender Rhodes] – Jun Miyake (tracks: 7, 8, 9)

Flugelhorn – Jun Miyake (tracks: 4)

Flute – Dairo Miyamoto (tracks: 4)

Guitar – Masahiro Itami (tracks: 5, 12)

Harp – Constance Luzzati (tracks: 4, 6, 11), Constance Luzzati (tracks: 4,6, 11)

Melodica – Jun Miyake (tracks: 12)

Oud – Dhafer Youssef (tracks: 7), Masahiro Itami (tracks: 7)

Percussion – Jun Miyake (tracks: 4, 6), Matara Misawa (tracks: 9), Nicola Montazoud (tracks: 7)

Piano – Jun Miyake (tracks: 7)

Programmed By – Jun Miake (tracks: 1, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11)

Sampler – Jun Miyake (tracks: 1, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11)

Sopranino Saxophone – Dairo Miyamoto (tracks: 7)

Soprano Saxophone – Dairo Miyamoto (tracks: 1, 2, 3, 6, 7, 8, 10, 11)

Tenor Saxophone – Dairo Miyamoto (tracks: 1, 2, 3, 10, 11)

Tenor Saxophone, Flute, Bass Flute, Contrabass Clarinet, Baritone Saxophone – Renaud-Gabriel Pion (tracks: 11)

Trumpet – Jun Miyake (tracks: 6, 9)

Ukulele – Masahiro Itami (tracks: 12)

Xylophone – Midori Takada (tracks: 9)

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(2018) Jeff Goldblum & The Mildred Snitzer Orchestra - The Capitol Studios Sessions

A tan solo pocos días de haber sido lanzado oficialmente, el disco debut del talentoso actor nacido en Pittsburgh, Pensilvania, en 1952, Jeff Goldblum, se encuentra ya en los primeros lugares de éxito de la lista Billboard.

Como actor, lo recordamos por su rol clásico como Seth Brundle en "The fly" (1986) o por apariciones más recientes como en las trilogías "Jurassic Park" y "Jurassic World", "Independence Day" (1996) y "Thor: Ragnarok" (2017), en los que ha sabido sobresalir por su temple fresco, casi despreocupado, pero serio y contundente, lo que le ha valido el respeto de la crítica y el aprecio del público. 

Por otro lado, al igual que otras estrellas del cine con mayor o menor notoriedad en la música, Goldblum ha sabido entrar por la puerta grande, ya que no solo está acompañado de una poderosa orquesta y ha elegido un género universal, además se luce en el piano de manera poco imaginada. Se trata puesta no solo de una grata sino una sorpresa que supera muchas de las expectativas que suscitó el proyecto. 

Hablamos del álbum "Jeff Goldblum & The Mildred Snitzer Orchestra: The Capitol Studios Sessions" (2018), para Decca Recods en coproducción con Universal Music, una novedosa pero brillante joya musical que ha sorprendido a propios y extraños, adueñándose de las críticas, todas positivas por cierto, y del buen gusto del público que ya ha quedado conquistado por el actor y ahora descubierto pianista. 

"El álbum es un guiño a cuando el jazz era divertido, social, sexy, en lugar de algo un poco más esotérico" dijo Goldblum al referirse a su ya exitoso álbum. ¿Cuándo el jazz se volvió demasiado serio para ser alguna vez tonto? Érase una vez incluso genios musicales como Louis Armstrong, Fats Waller y Nat King Cole cantaban canciones novedosas, bromeaban y cultivaban un ambiente de fiesta en sus espectáculos. Era correcto y apropiado que el género ganara un respeto crítico, pero ¿también se deseaba la respetabilidad? En este delicioso disco, Jeff Goldblum nos recuerda lo que se perdió.

Frescura, sofisticación elegancia, respeto, virtuosismo y un poco del toque despreocupado estilo Goldblum es lo que escontramos en este disco, que trajo a un nuevo talento para la música y que llegó para quedarse. Esperemos que, a diferencia de otros personajes de Hollywood, Goldblum esté abriendo toda una discografía tan buena y voluminosa como su ya consagrada filmografía. 

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