Oscar Valdés, la voz del Irakere

Por Rafael Lam * La Habana (PL) Oscar Valdés, quien celebrará en este 2012 su cumpleaños 75, fue durante casi tres décadas el percusionista y akpwón del grupo Irakere. Vive en el barrio de Pogolotti, de esta capital, en una especie de fortaleza musical construida para sus clases de música. Una de las habitaciones cuenta con unas colecciones de tambores diversos fabricados para trabajar con Irakere y sus presentaciones especiales. Se le puede ver con su grupo Diákara en La Zorra y el Cuervo y el Jazz Café. Compone, graba, ofrece clases, sigue haciendo música sin parar. El percusionista, nacido en la barriada del Cerro, La Habana, a los 12 años comenzó a tocar tambores con su padre Oscar. En 1949 también recibió clases de percusión y batería con Guillermo Barreto y Walfredo de los Reyes (padre). Se inició profesionalmente en la orquesta del cabaret La Campana, de Infanta y Manglar, un sitio muy visitado por Benny Moré cuando regresó de México. "Me forjé en el bongó y la paila; tocaba en muchos centros nocturnos como el Parisién del Hotel Nacional, en el Cabaret Tropicana. Llegué a tocar la batería con la Orquesta de Benny Moré, después de la salida de Rolando Laserie (1955-56)". Después de los cambios sociales en Cuba, en 1959, Oscar trabajó en la Banda del Ejército de 1959 a 1961, integró la banda y el coro rebelde con Enrique González Mántici, Valdés Arnao y Manuel Duchesne Cuzán. También estuvo con la Orquesta Sinfónica Nacional. No puedo desaprovechar esta oportunidad para que Oscar me cuente de la organización del grupo Irakere. "Yo entré en la Orquesta Cubana de Música Moderna en 1967, con algunos de los integrantes que después formaron Irakere". "Chucho Valdés y yo nos conocíamos. Ya desde 1970 comenzamos con inquietudes. Para oficializar a Los Irakere hubo que esperar como un año a que se reunieran todos los integrantes". El experimento de Oscar con Irakere generó aportes a la nueva música del jazz cubano. "Yo fui el encargado de llevar el ritmo; Chucho era el músico generador de las ideas, el genio, pero yo aplicada esas ideas a la percusión. El jazz no encuadraba en lo folclórico, pero yo lo trabajé y se creó esa nueva tendencia muy avanzada y atrevida para aquellos tiempos de la década de 1970. Tambores batá, arará, abakuá y los chekeré". La obra que abrió el camino de Irakere fue Bacalao con pan, de Chucho Valdés. Oscar nunca había cantado, pero le pidieron que pusiera su voz tonal (afro) en el montuno. "Yo me negué, pero tenía que llenar parte de la pieza para dar entrada al coro y de esa manera me fui convirtiendo en el cantante de Irakere". La experiencia con Irakere fue muy enriquecedora para Oscar; se presentaron en los más importantes festivales de jazz del mundo, compartieron con figuras de alto nivel musical. La salida de Oscar de Irakere, en pleno boom de la salsa cubana, resultó muy sonada en los medios musicales. Comenzaban nuevos tiempos para Chucho Valdés, que ya andaba en otras ideas. Oscar cuenta con mucha tristeza la separación de Irakere, rememora aquellos grandes momentos de la orquesta más reclamada de la música de jazz cubano (afrocubano o de latin jazz). En su casa muestra fotos de los festivales donde triunfaron por el mundo. "Cuando dejé Irakere en 1994-1995, comencé a trabajar con mis hijos: Oscarito (batería), Diego (bajo). Acompañamos en algunas presentaciones al trovador Silvio Rodríguez. Después fui trabajando más lo cubano y lo afro". "Nos iniciamos en la UNEAC, la Zorra y el Cuervo, Jazz Café, interpretamos clásicos del jazz latino: Manteca, Tunicia, mambo influenciado, Caravana. He rescatado algunos temas emblemáticos de Irakere. He hecho muchos cantos orishas con batá". Cree Oscar que los Irakere llenaron un verdadero capítulo de la nueva música cubana de la segunda mitad del siglo XX, considera a la orquesta de Chucho Valdés como un Todos Estrellas, un Team Cuba. Alcanzaron en 1979 el primer Grammy del país, y después Chucho fue coleccionando una larga lista de premios que sobrepasan los siete Grammy y más de 15 nominaciones. En esta última etapa, sus clases se han impartido en Argentina y Francia, en tanto recibe en su casa a muchos estudiantes de Japón, Europa, Estados Unidos y América Latina. El maestro tenía un sueño de grabar un disco Orisha con afro jazz, un trabajo muy personal. Se concretó esa idea con "Leyenda viva", de Bis Music, que se alzó con el Premio Especial en el Cubadisco 2010. Tuvo como invitada solamente a Omara Portuondo. Ahora está en espera de grabar un disco con la música bailable de Irakere para rememorar los buenos tiempos de la música timbera. *Crítico y periodista cubano. Colaborador de Prensa Latina. Visitar: http://www.prensa-latina.cu

La revelación del Hip Hop peruano: “Marc King”

Nos llegó hoy la nota de prensa presentando el trabajo del rapero peruano Marc King, con un video promocional que nos parece realmente bueno, calidad y promesa que merecen ser comentadas. Seguiremos atentamente su carrera.

“Marc King”

Camino a la internacionalización

Dueño de una gran inteligencia y rapidez mental a la hora de componer e improvisar este ritmo urbano; a sus 21 años de edad, el Rapero Peruano Marc King, cuenta con seguidores en países latinos como Venezuela y Colombia donde se ha hecho conocido por jóvenes que escuchan sus temas a través de internet y emisoras radiales.

Debido a esto, tiene planificado un viaje a Venezuela, para el mes de abril, para cumplir con algunas presentaciones y en donde tendrá reuniones con algunos productores de ese país.

El Rapero nos comenta acerca de sus inicios:"Comencé a escribir mis vivencias a los 8 años; debido a que por mi carácter maduro e imperativo, mis compañeros de clase ser burlaban de mí, fui  “El lorna” y luego la “Oveja negra” del salón; y la única salida para expresar la rabia que sentía al no ser entendido ni mis compañeros ni mi familia, fue escribiendo -es así como sin saber lo que era-  empecé a hacer Rap a los ocho años".  

Con el tiempo -para mi buena suerte- todo cambió cuando fui a un quinceañero, habían unos raperos cantando y a tanta insistencia de un amigo, improvisé “Free Style” y fue entonces que empezó oficialmente mi carrera”.

Marc King, tiene el ideal de hacer crecer el movimiento urbano en Latinoamérica, con el cual romper el mito que el rap sólo es de la “gente de la calle”, sino que también se puede hablar temas  simples de la vida cotidiana; es por eso que en el año 2011, este joven rapero formó la compañía SIN FRONTERA  (Compañía de Raperos de América Latina), trabajando ritmos urbanos como Rap, R&B y Dancehall en países como: Argentina, Chile, Republica Dominicana, Venezuela, Colombia, Cuba, Ecuador, El salvador, Honduras, Puerto Rico, Costa Rica, Panamá, Paraguay, México y Perú, uniendo estilos y vivencias. Y logrando dúos entre cantantes de diferentes países.

Actualmente -además de ese proyecto- el joven cantante está preparando su primer álbum, y como adelanto del mismo podemos escuchar en el Youtube y en las redes sociales de Marc King, su primer single “Vivo como quiero” cantado a dúo con el Puertorriqueño "Machetero"; gracias a “Sin Frontera Music” que hizo posible la unión urbana de ambos países para este tema.

Recordando al gran Louie Ramírez

Gracias a Radio Nacional de Colombia

El 24 de febrero del año 1938 nace en New York Louie Ramírez, conocido como el Quincy Jones de la salsa, percusionista de Boogaloo, Salsa y Latin Jazz, Vibrafonista, director de orquesta, arreglista y compositor. Se conocen más de 10.000 arreglos de este genio en sellos disqueros como Cotique Records, Tico, Alegre, Fania, de la cual fue productor también, -Atco Records, United Artists, Caiman Records, entre otros.

Hizo su debut musical con el quinteto de Jose Estevez, más conocido como Joe Loco, sustituyendo a Pete Terrace en el vibrafono, en el año 1956. Se asoció con Charlie y Eddie Palmieri del año 1965 al 68, ya había trabajado con ellos cuando estuvo en la orquesta de Vicentico Valdes.

El piano de Noro Morales y el músico de jazz Lionel Hampton fueron fuerte inspiración para Louie. Más adelante se asoció con el cantante Ray De La Paz convirtiéndose en los  pioneros de la corriente conocida como Salsa Romántica o Salsa balada.

Co-escribió el éxito el Guiro de Macorina con Johnny Pacheco en 1961. Falleció a los 55 años víctima de un infarto cuando se dirigía a los estudios Variety en Queens,N.Y. para finalizar su disco #20 "Preparate bailador", iba conduciendo su auto por Junction Boulevard y murió así, al volante, camino al estudio, era el 7 de Junio de 1993.

Su discografía es extensa y transitó por diversos géneros, arreglos memorables entre otros, "Canta" Para Cheo feliciano, "Juan Pachanga" y "Paula C" para Rubén Blades, "El Caminante, "Isadora" y "Sin Tu Cariño" para Fania Records.

Un genio de la música latina y un gran productor solicitado por grandes artistas del genero, Louie Ramírez el pionero de la salsa romantica, sus "Noches Calientes" ambientaron y lo siguen haciendo, momentos gratos en el mundo de la musica, ¡Viva La Salsa! ¡Viva La Musica! ¡Viva Louie Ramírez!

Willi Vergara

Jazz Sour nos presenta su show “Sinatra & Company” en el Cocodrilo Verde

Acabamos de recibir en nuestra redacción la Nota de Prensa que da cuenta de la nueva puesta en escena del espectacular show Sinatra & Company de Jazz Sour en el Cocodrilo verde de Miraflores.

Jazz Sour nos presenta su show

“Sinatra & Company” en el Cocodrilo Verde

El quinteto Jazz Sour promete llenar de Jazz las noches miraflorinas,  con los mejores temas del Jazz, fusión y Bosa Nova en el Cocodrilo Verde.

Jazz Sour es el conjunto de Jazz Clásico formado hace más de tres años especializado en temas populares de jazz y bossa nova dados a conocer por Frank Sinatra, Tony Bennett, Nat King Cole, Vinicius de Moraes, Lou Rawls, Elvis  Sting, Ray Charles y otros famosos interpretes populares. Bajo el formato que incluye Saxo, guitarra, batería, contrabajo y voz.

El cantante César Ordoñez, nos comenta: “Dentro del programa especialmente preparado por Jazz Sour, para el dìa 28 de febrero, contaremos con la presencia del joven y talentoso cantautor, Renzo Dalí, quien nos acompañará tocando una pieza, en el piano de cola del Cocodrilo Verde”. 

Sus integrantes: César Ordoñez (Voz), Alberto Portocarrero (Batería), Iván Reátegui (Guitarra) Sergio Flores (Contrabajo) y Néstor Benítez (Saxo), se complacen en invitarnos a estas presentaciones, en donde nos harán viajar con su música, desde el carácter clásico del Jazz hasta el horizonte de la fusión y la bossa nova, enlazando tradición y modernidad en esta temporada que no se puede perder.

La cita son los días Martes 28 de febrero y el 20 y 27 de Marzo a partir de las 8:30 p.m; en el Gourmet Lounge Cocodrilo Verde (Calle Francisco de Paula Camino 226 - Miraflores. Teléfono: 2427583 - 4442381) Ingreso libre.

Visitar:

http://www.facebook.com/jazzsour?sk=wall 

Entrevista con Fernando Trueba, director de 'Chico & Rita'

Gracias a Univision.com

FERNANDO TRUEBA

El director ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1994 por Belle Epoque. ¿Se llavará el segundo este año?

Por Sergio Burstein / Manganzon.com 

Fernando Trueba es un artista sumamente versátil. Su interés particular —pero no exclusivo— en historias relacionadas a la Guerra Civil y sus consecuencias (El año de las luces, Belle Epoque, La niña de tus ojos) ha dado paso al interés por la música de otras latitudes, con los documentales Calle 54 (sobre la escena actual del latin jazz) y El milagro de Candeal (sobre los esfuerzos educativos del músico Carlihnos Brown en una favela).

Recientemente, Trueba retomó el tema para llevarlo a la ficción animada, en el increíble largometraje Chico & Rita, que cuenta la historia de dos músicos  (él pianista, ella cantante) cuyas vidas se encuentran y desencuentran mientras intentan subsistir en la Cuba anterior a la Revolución y, más adelante, en la turbulenta ciudad de Nueva York.

La película se basa en las experiencias del legendario pianista Bebo Valdés. Para lograr esta incursión en la novedosa área de los dibujos animados, Trueba unió esfuerzos con el diseñador Javier Mariscal, y los resultados fueron tan buenos que la cinta ha sido elegida por la Academia para competir en la categoría de Mejor Película Animada. Tuvimos la grata oportunidad de  reunirnos con el cineasta y esto es lo que nos dijo.

Dirigiste esta película con otro, pero es evidente que tu participación resultó trascendente, porque el proceso inicial se llevó a cabo con actores reales y hubo un manejo cinematográfico completo, con el empleo de ‘dolly’ y artilugios similares. ¿Cómo fue el proceso?

    Lo hice sobre todo en lo que se relaciona a los actores y la parte dramática; cuando había una persecución, era creada totalmente por el departamento de animación y de 3D. Esta película parte del deseo mío y de Mariscal de trabajar juntos; nos habíamos hecho muy amigos y hablamos durante años del sueño de hacer un proyecto de animación de manera conjunta, hasta que nos dimos cuenta de que dos de las cosas que nos gustaban más eran la música y Cuba. Empezamos entonces por ahí, y después de siete años, descubrimos que habíamos hecho Chico & Rita.

Yo me encargué de la parte cinematográfica, es decir, del guión, del ‘story board’ y de la planificación visual (que incluye los movimientos de cámara), y él de la parte plástica, es decir, de la luz, de los colores y de los fondos, elementos todos que resultan esenciales para una película de este tipo. En este caso, mi trabajo estuvo al servicio del arte de Mariscal y de la música, que son los dos bombones del pastel.

La participación de Bebo Valdés fue muy importante, no sólo porque el personaje de Chico se inspira en él, sino porque grabó casi toda la banda sonora. Es la tercera película que haces con Bebo (participó antes en Calle 54 y El milagro de Candeal), por lo que debes tener ya una relación muy especial con él.

    Es muy, muy cercana. Yo digo que es una historia de amor, porque es un ser  maravilloso. Pero ya está muy mayor; se había retirado incluso antes de esto, al rebasar los 90 años, porque ya no podía mantener la vida de conciertos. Ahora tiene 93. “Chico & Rita” ha sido su último trabajo, y lo más bonito para mí ha sido podérselo enseñar. Me fui con la primera copia a Málaga (vive entre esa ciudad y Estocolmo), para mostrársela tanto a él como a Estrella Morente [que aparece representada en la película con su nombre original], y cuando acabó la proyección, Bebo me abrazó y se puso a llorar como un niño. Fue un momento que no olvidaré nunca en mi vida.

Y es probable que cualquiera que la vea se emocione también, porque tiene un fondo de historia de amor clásica y hasta trágica que conmueve.

    Es una película muy emocional, y lo fue sobre todo para Bebo. Nunca había pensado en eso, pero una de las cosas que me dijo es que la gente podrá seguir escuchando su música gracias al filme una vez que él ya no esté aquí. Es algo muy importante para un artista, y me permitió darme cuenta de que, aparte de convertirse en testimonio de la época dorada de este tipo de jazz, la película es un testimonio del arte del propio Bebo.

   

Además de haberte permitido incursionar en un área inédita para ti, la de animación, Chico & Rita te ha dado la oportunidad de dejar de lado el fantasma de la Guerra Civil que te ha perseguido en el cine no documental que has hecho…

    [Sonríe] Mira, yo he hecho varias comedias que no hablan de la guerra ni de la posguerra, como Opera prima, Sal gorda, Two Much y El baile de la victoria, que se hizo en Chile. Las que sí han tocado el tema han sido historias de personajes donde la guerra está como telón de fondo, no como asunto principal. Lo hago porque me gusta mucho la recreación de épocas pasadas, ya que ésa es una de las posibilidades mágicas que te brinda el cine; y Chico & Rita va también por ese lado. 

Hay un aspecto interesante en la película relacionado a la participación de cubanos de uno y otro lado. Bebo salió de Cuba hace varios años por razones aparentemente políticas, pero la parte de la cinta con los actores se hizo en La Habana, y el guión mismo tiene discretas alusiones a la situación que se vive actualmente por allá. ¿Cómo se inscribe “Chico & Rita” dentro de la polémica interminable entre los cubanos de la isla y los de Miami?

    Tengo amigos cubanos por todo el mundo, incluyendo a Cuba. El arte debe pasar por encima de las fronteras y por encima de los problemas políticos; se habla ahora mucho de la globalización, pero ésta había sido inventada antes por los artistas. Chico & Rita cuenta la historia de dos músicas que se mezclaron, del origen de un jazz afrocubano, que en la práctica fue una manera de saltarse las fronteras  y las reglas. Y creo que la película misma hizo algo semejante, porque fue producida por españoles e ingleses y cuenta una historia de cubanos que transcurre en Nueva York y La Habana. El arte nunca ha aceptado las restricciones políticas, aunque las ha sufrido muchas veces. 

Uno de los personajes más llamativos en la cinta es Chano Pozo, que aparece retratado como un tipo muy efusivo que gusta del alcohol y la marihuana y se mete siempre en peleas. ¿Qué tipo de investigación se hizo para caracterizar a estas figuras históricas?

    Fue muy bonito recrear a Chano, que aunque fue alguien real, se encuentra ahora dentro de los terrenos de la leyenda. Fue asesinado por “Cabito” [un traficante puertorriqueño] en el Rio Café de Harlem, y ésa es una escena que la película reconstruye; pero existen varias versiones sobre el hecho, incluyendo una que dice que esto pasó mientras Chano escuchaba en el jukebox del bar “Manteca”, un tema que había compuesto a medias con Dizzy Gillespie, y que en el argot de la época quería decir ‘marihuana’. Claro que estamos hablando de un personaje cercano al ‘western’ y, como lo decía el gran John Ford: “Print the legend”.

Ha causado sorpresa entre muchos estadounidenses que se haya nominado a Chico & Rita y no a “The Adventures of Tintin” de Steven Spielberg, que emplea una animación muy costosa y avanzada, mientras que la tuya recurre a un estilo simple y directo que no le ha agradado a algunos críticos.  

    Yo creo que eso va a favor de la película, porque lo que hicimos es una reivindicación de la ilustración, tomando como opción la línea gruesa. Queríamos que la cinta fuera profundamente humana, que el espectador se sintiera afectado por lo que le ocurría a los personajes, pero sin buscar esa tontería de hacer animación que parezca real, porque para eso tenemos ya a la misma realidad. Lo que buscábamos era una animación que luciera justamente como si hubieras abierto un álbum de Tintin, que de hecho está realizado sobre la base de la línea gruesa. Spielberg es un maestro al que no se le puede negar nada, pero creo que en este caso se metió en un terreno demasiado francés. Tintin está muy lejos de la cultura americana. 

¿Ganarás el Oscar?

    No creo; dicen que hay otras favoritas. Pero estar aquí con una película como ésta nos hace sentir ya como si hubiéramos sido premiados, o al menos reconocidos; y eso es algo que celebramos.

Visitar

http://entretenimiento.univision.com/cine/entrevistas/article/2012-02-19/entrevista-fernando-trueba-chico-y-rita