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lunes, 29 de marzo de 2010

Larga vida al Patriarca

El pasado 24 de marzo fue cumpleaños de Don Óscar Avilés Arcos, Patriarca de la música criolla, Primera Guitarra del Perú y líder indiscutible de la tradición del criollo jaranero y amigable de la Lima que se fue, como bien ha señalado el periodista Raúl Vargas.


El Patriarca Avilés empezó su carrera musical en 1939, a la edad de quince años, como cajoneador del dúo de hermanos La Limeñita y Ascoy. En 1942, prosigue con el grupo de cuerdas Núñez, Arteaga & Avilés, con quienes gana el concurso radial organizado por el periodista Roberto Nieves del diario "La Noche", a raíz del cual se le comenzó a llamar "La Primera Guitarra del Perú".


Fundó y dirigió la segunda versión del legendario trío Los Morochucos (la primera versión estuvo conformada por Luis Sifuentes y Augusto 'Tito' Ego Aguirre y tuvo mucho éxito en la vecina Argentina), entre los años 1947 y 1952 conjuntamente con Alejandro Cortez y Augusto Ego Aguirre, quienes luego de un merecido receso volvieron a reunirse entre los años 1962 y 1972. Asimismo fundó en 1952 la primera Escuela de Guitarra de estilo criollo, que mantuvo sus puertas abiertas hasta 1967.

Formó y dirigió el Conjunto Fiesta Criolla entre 1957 y 1961 junto con Humberto Cervantes, Panchito Jiménez, Pedro Torres y Arístides Ramírez, con el que grabó numerosos éxitos. Acompañó con su guitarra a la gran Chabuca Granda en diversas giras artísticas entre 1955 y 1970, grabando varios discos memorables, entre ellos "Dialogando". Graba en el Brasil la celebrada colección "Valses Peruanos Eternos", en dos volúmenes acompañado por la Orquesta de Augusto Valderrama. Durante la década de 1970 formó el dúo con Arturo "Zambo" Cavero, a quienes se sumara en las composiciones Augusto Polo Campos.


Además de todo ello, grabó con todos los artistas criollos de primera línea, entre ellos Jesús Vásquez, Eloísa Angulo, Panchito Jiménez, Los Hermanos Zañartu, Los Hermanos García, Cecilia Bracamonte, Zoila Zevallos, Los Ases del Perú, Los Hermanos Catter, Nicomedes Santa Cruz. También ha grabado con el Tenor Peruano Luis Alva, acompaño los versos del actor Luis Álvarez y la española Gabriela Ortega y artistas populares como también internacionales como es el caso de Olga Guillot, Leo Marini y Xiomara Alfaro, entre otros.

La celebración de la semana pasada, celebrando sus 86 años, rodeado de sus más queridos amigos, fue más que entrañable, con mucha jarana limeña y la alegría de saber que el próximo disco del maestro será todo un éxito.
 
Larga vida al Patriarca, Óscar Avilés!
 

domingo, 28 de marzo de 2010

Cuando los flautistas tienen algo que decir: Parte 2

Richard Egües es, qué duda cabe,una verdadera institución de la música cubana, no en vano ha recibido el apelativo de 'La Flauta Mágica' en sus tantos años de carrera artística. Incorporado a la Orquesta Aragón, en la dedicó sus mayores aportes al bagaje musical de la Isla, en 1953, se definió a sí mismo como un revolucionario acérrimo, defensor de la cubanía e incluso de quien ha encarnado todo el proceso en los últimos 51 años.



Nacido en Las Villas, Egües ha trabajado en la flauta como instrumento encarnado, adherido a él, o él a aquella, lo que mejor se entienda. Y sobre la flauta es que compuso innumerables éxitos, muchos de los cuales son ahora clásicos del cancionero cubano en el mundo, como su famoso El Bodeguero.

Su aporte más importante radica en su participaciòn en la gesta de la charanga, no sólo como género sino como formato de agrupación, algo que se consolidó en los 30 años que permaneció en la Orquesta Aragón de Cuba, primero, al lado de Rafael Lay, y luego animando, arreglando y componiendo para los chicos de la Orquesta, su familia.

Con Richard Egües y Rafael Lay, la Orquesta Aragón llegó a adquirir una sonoridad y sello propios, convirtiéndose en una de las principales orquestas típicas del siglo XX en Cuba. Sus improvisaciones en la flauta se hicieron tan famosas que casi todos los flautistas de orquestas típicas, tanto en Cuba como en el extranjero, comienzan a imitarle.

In Memorian Tete Montoliu (1933 - 1997)


Ciego de nacimiento, Tete Montoliu comenzó a tocar el piano desde su más tierna infancia, influido por una familia de gran vocación musical. Se inició en el mundo del jazz atraído por la música del maestro Art Tatum, otro gran pianista ciego.

Tete comenzó ganándose la vida tocando en pubs de Barcelona, donde sería descubierto por Lionel Hampton, quien le invitaría a sumarse a su banda de gira por Europa. A partir de este momento se sucederán las giras, las grabaciones, los recitales y los festivales, y llegará a tocar con numerosos artistas de la talla de Chick Corea, Paquito D'Rivera, Alvin Jones, John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster, Stan Getz, Stéphane Grappelli o Chet Baker.

Grabó un gran número de discos, de puro jazz, composiciones propias, arreglos de músicas tradicionales; solo, en colaboración (con Núria Feliu) o con su inseparable trío: el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Peer Wyboris. En 1996, recibió un homenaje a escala nacional en el Teatro Monumental de Madrid con motivo de sus 50 años en el mundo del jazz. Tras su muerte, se creó la "Bienal Premios Tete Montoliu de Jazz".

Ante la pregunta de ¿A qué edad empezaste tu a tocar el piano?, Tete nos dice: "Mi padre dice que a los cuatro. No es ningún mérito. Uno nace para tocar el piano como otro para hacer zapatos, qué quieres que te diga. La causa es mi madre, fundamentalmente. Le gustaba el jazz, tenía discos ya en los años 30, y tocaba el ukelele, que es un instrumento de cuatro cuerdas, una guitarra extrañísima. La música de jazz, dentro del estado español, donde primero se escuchó fue en Cataluña. Mi padre era músico sinfónico, tocaba el oboe y el cuerno inglés en la banda municipal del Teatro del Liceo. Escuché las dos músicas desde que nací. En mi caso tuve suerte porque o tenía condiciones para tocar o me iba a vender cupones. Ahora los ciegos que venden cupones ganan mucho dinero, pero en mi época no. Mi padre era un músico muy bueno y muy serio, mejor que yo. Era muy wagneriano, sobre todo cuando bebía. Después de unas copas venía a casa cantando en alemán. Cuando tenía que hacer algún solo importante con la orquesta me llevaba a la función porque decía que le traía buena suerte. Luego, cuando salíamos, me preguntaba qué me había parecido y yo, como siempre he sido un maleducado y lo sigo siendo, le decía: tu muy bien, la orquesta una mierda".



sábado, 27 de marzo de 2010

Cuando los flautistas tienen algo que decir: Parte 1

La encuesta del mes de marzo trae a escena a la flauta como instrumento tradicional e innovador. Dos maneras distintas de entender la verdad que nos tiene por decir este pequeño instrumento de la mano de sus intérpretes, generalmente geniales y dementes.

Los 4 exponentes traemos para este ejercicio mental y musical son de primer nivel, han desarrollado sus carreras en lo tradicional, en los albores de la salsa o se desenvuelven en el jazz latino. No hay duda de su aporte y creatividad, virtuosismo y dedicación abnegada a la carrera musical que llevan, algunos más presentes y vigentes que otros, pero no menos importantes sin duda.

Comenzaremos por Johnny Pacheco, el zorro plateado, creador del imperio salsero que fue la Fania hacia mediados de los sesentas y que representa y encarna a la más grande agrupación salsera de todos los tiempos, la Fania All Stars. Pacheco, dominicano de nacimiento, simboliza un nuevo lenguaje, ese nuevo comienzo musical y la reformulación del concepto completo de música latina y de empresa.


Gracias a Pacheco hoy tenemos Salsa. Gracias a su genial visión de eminente director musical y productor de éxitos vimos a Celia Cruz cantando salsa, a Hector Lavoe convertirse en la leyenda que es, a Cheo Feliciano y otros más convertirse en verdaderos ídolos musicales de varias nuevas generaciones de adeptos salseros en el mundo.

Y su flautal, que hoy nos convoca, fue siempre sutil, acompañante, directriz, mágica. Ahí lo vemos descargando con la FAS o enrumbándose en nuevos proyectos musicales con Pete 'El Conde' Rodríguez. Maestro de cátedra mayor y venerable docente de múltiples generaciones, luminaria permanente y fuente inagotable de conocimiento y dedicación a la música.



La leyenda de la música cubana: Israel López (1918 - 2008)


Fue precisamente con esta intriducción, del disco Esta es mi Orquesta de Tito Rodriguez (Big Band Latino: 1968), que conocí al maestro 'Cachao', hacia finales de los ochenta. Pero fue en los noventa que, gracias a mi mentor inolvidable Pepe Sardón, que terminé de recorrer el camino que me llevara a un conocimiento más completo de quien, para algunos, es el inventor del mambo.

En el 2008 le dijismo adiós, precisamente el 22 de marzo, por lo que en esta tarde soleada de sábado le rindo homenaje a quien sin duda cambió la idea que se tenía sobre la música cubana, introdujo el arco de contrabajo en la rumba y dedicó su vida a crear las más agresivas descargas para el deleite de sus propios compañeros músicos. Porque, qué sería de la música cubana si no fuera el vehículo perfecto para producir placer y felicidad?

Sin duda alguna, el testimonio más loable o uno de sus aportes más representativos es el legado de más de 3 mil composiciones hechas al lado de su genial hermano, el virtuoso Orestes López, con quien además compuso el danzón Mambo, llave de entrada de la ya larga discusión entre unos y otros por atribuir la paternidad del mambo género al bajista Cachao o al pianista no menos importante Pérez Prado.


Sus aportes creativos a la música cubana tradicional, a partir de lo que denominó el 'nuevo ritmo', hicieron posible remozar el danzón y preparar el terreno para que se pudieran crear el mambo y el chachachá. Lo cierto es que aportó concretamente al desarrollo de nuevas formas musicales, como hiciera con la instriducción de las Descargas en el colectivo popular. La fiebre que lograría gestar en sus seguidores, a partir de los experimentos creativos de finales de la década del cincuenta, no ha cesado en los años posteriores, incluso a la fecha.

Su presencia en las orquestas de Tito Puente y Tito Rodríguez enriqueció la polémica de la década del sesenta y encendió la llama de las orquestas de 'mambo niuyorquino', permitiendo a ambos líderes expresar sus más atrevidos esfuerzos para lograr llegar al fin último del artista: el público.



La inspiración de Cachao la vemos, años después, al aldo de otros grandes improvisadores, en lo que tuvo a bien llamarse WalPaTaCa, que en dos volúmenes sencillamente representa una de las importantes grabaciones efectuadas dentro del jazz latino en los noventas.


Andy García, uno de los propulsores más asiduos de la vertiente de pensamiento que glorifica el aporte de Cachao, produjo el documental Como su ritmo no hay dos, que todos hemos disfrutado más de una vez. De esa sesión mágica, llena de colaboraciones virtuosas, salieron 2 discos maravillosos, incluso rescatando del olvido al Guapachoso Rolando Laserie poco antes de su fallecimiento.

A los 86 años, el maestro Cachao, arco en mano, lanza el que sería el último álbum de su exitosa carrera: Ahora sí! (Univision Records: 2004). En él, un puñado de joyas cubanas de siempre, como el eterno Si me pudieras querer, adornan el cancionero del más grande bajista del mundo, como el mismo Jacko Pastorius lo reconoció.

La gloria eterna, que es un deseo entrañable para nuestro seres queridos, se la deseamos, pero creo, empero, que el recuerdo de la gente, a golpe de contrabajo, son la gloria para el músico, y más para aquél que dedicó su vida a hacer felices a los seres humanos. Y este cubano de tez morena y azules ojos lo hizo. A él, la eternidad le queda chica.

Descansa en paz, maestro!

lunes, 22 de marzo de 2010

domingo, 21 de marzo de 2010

In Memorian: Mike Collazo

La noche del pasado 1 de marzo de 2010, aproximadamente a las 11:45 pm, en la comodidad de su casa en Nueva York falleció el que fuera tremenda figura de la historia de la música latina, el gran Michael Collazo.



Desde su época al lado de Tito Rodríguez hasta su participación en los éxitos más importantes de nuestra música, pasando por La Perfecta, la presencia de Mike Collazo en los timbales y la buena salsa ha estado siempre en el primer lugar, porque además de ser un músico excepcional fue una gran persona, un excelente padre y un ser humano único.

Qué descarga de sabor la que nos deja Mike Collazo como legado. Su aporte definitivamente es imperecedero y nos acompañará como símbolo de tenacidad y de talento puro. Éxitos tan distantes en el tiempo como Agúzate o El Son de la madrugada dan cuenta de la enorme presencia del señor Michael Collazo sobre el escenario.



martes, 16 de marzo de 2010

En el 69 cumpleaños del maestro Bernardo Bertolucci


No se puede no asociar la figura y el nombre del maestro Bertolucci con un cine de compleja propuesta e intrincados laberintos existenciales en los que, a riesgo de su propio arte, sumerge a sus personajes en el miasma de la locura humana, explora las profundidades de sus patológicas personalidades e irrumpe en desenlaces poco asimilables para los más conservadores. Así, Bernardo Bertolucci, quien el día de hoy cumple 69 años, nos ha dado obras maestras como El último tango en París (1972), La Luna (1979), El último Emperador (1987), Pequeño Buda (1997) y la más reciente Soñadores (2003).

La espectacularidad visual y grandilocuente de Bertolucci no es sino otra forma de poesía, de esa vena poética que lo destacó desde los primeros días en la Universidad de Roma a la que llegó desde su natal Parma. Luego de beber de la fuente inagotable de Pasolini, el director Bertolucci se enfrenta con sus problemas existenciales más recurrentes, los que serían constantes fílmicas en su obra, como los problemas de conformación familiar, la actitud no convencional entre amor y sexo y la mezcla de preciosismo visual decadente y el montaje operístico, muy clásico de muchas de sus escenas finales.

El suyo es un cine de autor comprometido políticamente con ideas de izquierdas. Sus principales características son un esmerado uso de la cámara y del montaje, y el trabajo de la fotografía con finalidades simbólicas. Y una de las más claras expresiones de la visión extrema del drama y lo insostenible, sumado al finalismo como consuelo inexistente de una pobre condición humana que se envuelve en velos de locura y agonía.


viernes, 12 de marzo de 2010

jueves, 11 de marzo de 2010

En el 89 aniversario del nacimiento de Astor Piazzolla

En julio de 1989, en Chile, el maestro Piazzolla concedió una última entrevista cuando se encontraba en plena temporada en el Teatro Oriente. Allí dijo que "el tango ya no existe. Existió hace muchos años atrás, hasta el 55, cuando Buenos Aires era una ciudad en que se vestía el tango, se caminaba el tango, se respiraba un perfume de tango en el aire. Pero hoy no. Hoy se respira mas perfume de rock o de punk... El tango de ahora es solo una imitación nostálgica y aburrida de aquella época. Mi tango si es de hoy".

El tango culminnate de Piazzolla es, desde todo punto de vista, un renacimiento en luz de vida, como el bautismo del adulto que, cansado ya, revela su intención de dar un giro a su vida y envolverse en mantos sagrados de agua clara y fe viva.



Su vida se podía resumir en un solo tango, un tango muy porteño y muy triste, "no porque yo sea triste", aclaraba. "Al contrario, soy un loco de la guerra, soy un loco lindo, me gusta divertirme, me gusta tomar vino, me gusta comer bien, me gusta la vida, así que mi música no tiene por que ser triste. Mi música es triste porque el tango es triste. El tango tiene raíces tristes, dramáticas, sensuales a veces, religiosas, tiene un poco de todo... Religiosas, por el bandoneón que fue inventado para acompañar la liturgia en Alemania. El tango es triste, es dramático, pero no pesimista. Pesimistas eran las letras de antes, totalmente absurdas..."

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miércoles, 10 de marzo de 2010

miércoles, 3 de marzo de 2010

De visita en The Arturo Sandoval Jazz Club

La encuesta del mes que pasó trae como más votado al trompetista Arturo Sandoval, emblemática figura de las artes cubanas que resume una historia de perseverancia, lucha, pasión y dedicación. Con 60 cumplidos, el hijo predilecto de Artemisa continúa dedicado a su gran pasión, la música, de la cual no se ha despegado desde su primera infancia, momento en que tuvo la epifánica visión de ser el mejor trompetista del mundo.



Tras probar suerte con varios instrumentos musicales, finalmente se decidió por la trompeta.-

El gran talento musical de Sandoval ha sido asociado con muchos músicos, pero sin duda el más importante sería Dizzy Gillespie a quien Sandoval considera su padre espiritual. Gillespie es considerado como uno de los grandes difusores de la música afro-cubana, y fue determinante en la carrera de Sandoval. Los dos músicos se conocieron en Cuba en 1977 cuando Gillespie hacía actuaciones improvisadas por el Caribe con el saxofonista Stan Getz. Debido a la instauración política que significó la Revolución de 1959, Cuba había estado aislada de los músicos americanos durante varios años. Gillespie quería saber qué clase de música se hacía allí, como el guaguancó, entre otras. este episodio ha sido recreado vivazmente en la película biográfica, inspirada por el propio Sandoval y protagonizada por el también cubano Andy García, For Love or Country: The Arturo Sandoval Story.

Sin duda, uno de los momentos culminantes de la carrera inicial de Sandoval fue la creación, junto con Chucho Valdés y Paquito D'Rivera, de Irakere, el grupo más atrevido y políticamente controvertido de su epoca, en una Cuba movida y inquieta, un tanto hostil con sus músicos de vanguardia.

Y luego, el exilio y la fama: Más allá del Jazz.-

Sandoval ha trabajado junto a Kiara, Oscar D' León, Vicky Carr, Luis Enrique, Mike Couzzi, George Noriega, Lee Levin, Tony Concepción, Julio Hernández, René Toledo, Rita Quintero, Dana Teboe, Ed Calle, Johnny Mathis, Gloria Estefan, Kenny G., Paul Anka, Frank Sinatra y Dave Grusin. También ha tocado en conciertos con Woody Herman, Herbie Hancock, Woody Shaw, Stan Getz, Tony Bennett, Patti LaBelle y Céline Dion. Horacio "el negro" Hernández, Chick Corea, Poncho Sánchez, Steve Turret, Dave Samuels, Dave Weckl, Aventura.

En el 2002 sorprendió al mundo con My Passion for the piano, un disco personalísimo y cargado de emoción. El virtuosismo de Sandoval, realmente, no conoce límites.

Actualmente, se dedica a conducir y mantenerse a cargo de su The Arturo Sandoval Jazz Club, el mejor trompeta del mundo para muchos, dentro de los que se cuentan nuestros seguidores que han votado mayoritariamente por él.