El niño prodigio del Bronx, quien a los 11 años comenzó a incursionar en el mundo de la música, primero con la flauta, luego con el clarín, la trompeta y, finalmente, con el trombón de vara, instrumento que lo consagraría como salsero mayor; quien con tan sólo 16 años de edad grabó su primer disco para el sello discográfico Fania, acompañado del cantante Héctor Lavoe, titulado El Malo, en 1967; hoy está de cumpleaños. Él es El Malo, Willie Colón.
Como afirman los estudiosos, con él nació la salsa, esa suerte de música ideal para tratar temas de las clases marginadas, temas casuales, cotidianos, o incluso del amor y del desamor. Este experimento le dio unidad a la música que se hacía en el Caribe, al asimilar los ritmos caribeños, como el son, el mambo, la guaracha, el cha-cha-cha, el son montuno, la guajira, la cumbia colombiana, el joropo venezolano y la rumba. Todo envuelto en nuevos ropajes, como fue la visiòn de Johnny Pacheco, ese visionario irredento que convirtió los esfuerzos precedentes en una perfecta realidad hacia mediados de los años sesenta.
Actualmente Willie Colón participa activamente en la política con el partido demócrata estadounidense y ha recibido diversos títulos y reconocimientos. Willie Colón se retiró a mediados del año 2006, después de una carrera de éxitos. Y reaparece en el año 2008 para sacar al mercado un nuevo álbum llamado 'El Malo Volúmen 2: Prisioneros del Mambo', del cual extraemos este bello tema con sentida letra, Cuando me muera.
Siempre es grato escuchar los boleros del gran Genaro Salinas, el tenor de la voz aterciopelada, dueño d euna dulzura fuera de serie el interpretar los boleros, por ello su vida entera se vio envuelta en el drama, no solo para cantar sino también para amar y para entregarse a la muerte.
Los estudiosos señalan que un miembro de la farándula, Roberto Soto, lo escuchó y debió quedar lo suficientemente pasmado como para incluirlo sin tener currículum previo en el programa del Teatro Lírico, de ahí tal parece que bastó un paso para formar parte del repertorio artístico de la XEW. Habría sido ahí, en esta estación capitalina convertida en un monstruo radiofónico, donde se le impuso el mote que, a la postre, se convertiría en su distinción : “La Voz de Oro de México”.
Y luego llegó la fama, el sello Peerless, su paso por Cuba, el amor de su vida y la muerte en la lejana Caracas. Una vida agitada, intensa, que supo vivir y se atrevió a enfrentar, con marchas y odios, despechos y venganzas. Es la historia viva del artista que cede ante su sensibilidad amatoria pero que no ceja ante la inmortalidad.
En 1959 salió a la venta el álbum Blues & Roots (Rhino: 1959), el que a decir de muchos es el disco fundamental del sensacional contrabajista. Fue grabado el 4 de febrero de 1959 y contó con la colaboración de Charles Mingus en el contrabajo, Jackie McLean y John Handy en saxo alto, Brooker Ervin en saxo tenor, George "Pepper" Adams en saxo barítono, Jimmy Knepper y Willie Dennis en trombón, Horace Parlan y Mal Waldron en piano y Dannie Richmond en batería.
Los estudiosos han coincidido en que la sesión de Blues and Roots tuvo un doble propósito. Charles Mingus quería presentar los conceptos desarrollados en años anteriores con pequeños grupos y presentar nuevos trabajos para una pequeña big band sin afectar la libertad de expresión ni la espontaneidad de los músicos, algo característico en las agrupaciones que Mingus acostumbraba a usar. El otro objetivo era el de descartar las críticas que lo acusaban de ser incapaz de tocar los blues. Aunque sólo tres de los 6 temas son blues de doce compases, Mingus cumple ambas metas sin dificultad.
Mingus le entregó a cada músico una idea y dejó que la estructura y orquestación acontecieran espontáneamente. El material que Mingus compuso para esta sesión es una mezcla de blues y frases boperas con un enfoque más de coro de gospel que de big band.
Es una verdadera travesía musical por la febril mente de Mingus, un musico fuera del molde que supo concentrar todas las miradas y la atención de propios y extraños.
La Pachanga, como fenómeno musical, apareció con el inicio de la década del sesenta. Como se expone en la prestigiosa página web Herencia Latina, "Hay disparidad de criterios sobre el origen de este movimiento. Sin embargo, los más autorizados directores de orquesta de la ciudad, entre ellos el popular Machito Juanucho López, Belisario López y Fran Ugarte coinciden que la Pachanga es una combinación de ritmos que envuelven el Merengue, el Son Montuno, el Mambo y otros ritmos tropicales candentes".
Fue Arsenio o vino de Cuba, lo cierto es que contagiando a propios y extraños, la Pachanga se hizo de un espacio en el escenacio musical bailable del continente desde el norte y para quedarse, como una de las primeras muestras de fusiòn de que se puede dar cuenta conscientemente.
Tito Puente no fue ajeno al movimiento y, como buen visionario, astutamente, decidió abordar la tentación sucumbiendo ante ella, pero claro, de la mano del Guapachaso, Rolando Laserie. Este blog se honra es traerles Un poco más, uno de los boleros más secuctores del maestro Alvaro Carrillo, quien tuviera, dicho sea de paso, una vida muy explosiva... pero esa es otra historia ...
Donde huelgan las palabras, ese lugar común donde todos coincidimos en rendir homenaje a una de las figuras más importantes e influyentes de la música latina, el gran Tito Puente, es y será siempre su aporte musical.
Imprescindible en una fecha como hoy, en la que hubiera cumplido 87 años, recordar y hablar del maestro Puente, referencia obligada en lo que trayectoria y dedicación se refiere, no solo por sus más de 110 discos grabados, legendarios todos, sino por su paso por casi todas las formas ritmicas conocidas, desde el mambo hasta el jazz, pasando por la guaracha y la rumba con descarga.
Las voces que dio a conocer, en su inmenso talento descubridor y constante intuición de docente inacabable, han dado sólido basamento a la construcción de nuevos momentos en la historia de la música, como Celia Cruz, Santos Colón, La Duke, entre otros.
Pero es sin lugar a dudas su paso por el jazz latino el que más ha dado que hablar en los últimos 30 años, por la constancia y estar rodeado siempre de los más talentosos músicos de esta última generación. No hay manera en que no se haya pasado de alguna manera por alguno de sus temas, inspiraciones y arreglos que dieron vida a una manera de vivir en un mundo en el que la Salsa había dejado de ser el género más escuchado.
Defendió siempre sus raíces latinas, y disfrutó de ser un ser humano alegre y siempre dispuesto a enseñar, como la anécdota que nos contó nuestro talento peruano Carlos Peluzza cuando tuvo la oportunidad de alternar con el maestro. Y cátedra le sobraba a Tito Puente, dueño de muchos talentos, ya que no sólo el timbal fue el instrumento dominado sino que además de la percusión en general y del dominio del vibráfono era también poseedor de un excelente registro vocal, el cual le permitió hacer dúos con el mismísimo Santitos Colón en boleros clásicos e inolvidables como Ay Cariño o Tus Ojos.
Desde esta ventana no quedamos ajenos a la enorme trayectoria y presencia en la historia que significa el Rey Tito Puente, único en su especie, creador natural de leyendas y leyenda él mismo.
Acaba de aparecer la nueva producciòn del cubano Pascualito Cabrejas y su agrupación Tumbao Habana, quienes luego de un proceso de maduración necesaria llegan para ofrecer un producto altamente recomendado. El disco se llama Mambo Duro (Bis Music: 2010) y lo recomiendo ampliamente.
Aparecidos en la década del ochenta en Guantánamo bajo el nombre de Grupo Grey, los Tumbao Habana lanzan su tercera placa discográfica, de elevada y sincera complejidad, contrapesando la alegría de la timba, basada en el changüí original que los hizo reunirse, y la dulzura de los sonidos y ritmos tradicionales.
En palabras de nuestros amigos de la Asociación Cultural Benny Moré, "Tumbao Habana es expresión de lo mejor de la música actual y sus músicos saben fusionar muy bien los ritmos de la Isla con los de otros pueblos del Caribe y del mundo". Y no se equivocan, luego de escucharlos, les quedará como a mí la sensación de estar ante una nueva y envolvente propuesta musical, equilibrada y seria, madura y con una personalidad propia, lo suficiente como para distanciarse de la timba sin sentido e insulsa que tanto nos invade a través de las radios comerciales que, no hay duda en ello, carece absolutamente de sentido musical.
Mientras las manecillas avanzaban después de las diez de la noche, él manejaba con tranquilidad y con las ansias expuestas de saber que las calles se Lima se abrirían paso en poco al viejo edificio de Radio Nacional, una verdadera institución de la radio en el Perú. Al paso necesario por las calles de Lince, me advirtió que pronto llegaríamos al que alguna vez fue su barrio, de adolescente, de esquina, aquel que ineludiblemente le traería recuerdos gratos e idos de un tiempo en que, como todos, él era también feliz e indocumentado.
Santa Beatriz se abrió paso en medio de la noche no solo al tráfico sino también a las vivencias de esquina, esas palomilladas de chiquillos en las inmediaciones del extinto cine Azul y las primeras fijaciones en las chicas. Todos los recuerdos se mezclan, incluso la historia aquella del ebrio que se durmió con el cigarrillo encendido y murió consumido por su alcoholismo y las flamas infames de la vida.
Llegamos a Radio Nacional. Volvía yo también a pasar ese mágico umbral. La historia se volvía a escribir. Salsa Picante está nuevamente en el aire. Bienvenido amigo Roy.
La noticia llegó a través de la radio y de los amigos: Roy estaba de vuelta en Nacional, con todo el cargamento de buen jazz latino, salsa, boleros, Cuba tradicional y talento peruano, una exitosa combinación que, en palabras de su propio director, ha sido la que ha hecho posible alcanzar una sana madurez que sigue cosechando adeptos, como hace 21 años, muchos de los cuales somos en la actualidad amigos dilectos o como el caso de Carlos Navarro, actual co-productor del programa con sus envíos de los Estados Unidos.
Ya puesto en marcha sobre la oportunidad de difundir en este Blog el regreso del ya legendario Roy Rivasplata, me comuniqué con dos de mis más cordiales amigos comunes, Javier Querevalú y Yulianita Acasiete. Finalmente, concerté con Roy visitarlo en su cuartel general de Surco para hacer esta nota, a la que con la naturalidad de siempre accedió.
Luego de las fotos y los comentarios de rigor, le entregué el material prometido para esa noche, Sin Salsa no hay Paraiso, lo nuevo de El Gran Combo. Unos minutos para estudiar rápidamente el disco y elegir algunos de los temas que irían en el programa, así como el saludo rescatado de las pilas de discos de su colección de la gran pianista Rebeca Mauleón, quien coincidentemente cumplía años ese mismo viernes 16.
El saludo en video dio paso a los preparativos finales para enrumbarnos a la Radio. Y la magia del inicio no se hizo esperar. Un nuevo operador de controles maestros pero el profesionalismo de siempre en Nacional. La noche se deslizó exquisita entre los boleros de Cheo o Gisella Altuna y el jazz latino de Cal Tjader o José Luis Madueño.
Y como hace 21 años, el buen Roy se mueve como pez en el agua, yendo y viniendo de la cabina al control maestro, disco en mano, o describiendo las bondades del tema seleccionado, anotandolo todo en su vieja bitácora de programas, una costumbre tan vieja como la salsa misma y que lo dibuja de cuerpo entero: meticuloso, dedicado y conciente. Y ahí está él, presentando temas, conversando sobre discos, atendiendo llamadas del público, ese público seguidor que le es fiel porque la gente, después de todo, sabe valorar la calidad y la honestidad, virtudes que le sobran al gran Roy.
El presentador de Surco, que vivió en los Estados Unidos, que salió de Santa Beatriz y que ahora se deleita difundiendonos su música es, felizmente, mi amigo y me siento honrado de decirlo. A seguir escuchando Salsa Picante y por Radio Nacional (103.9 FM), los viernes de 11 pm a 1 am y los sábados de 9 a 11 pm.
Fue gracias a Juan Díaz Lecaros que llegó este material a mi colección, hace ya algunos años. Se trata del extraordinario saxofonista norteamericano David Murray.
Nacido en 1955, Murray pertenece a esa especie particular de músicos permanentemente innovadores y sumamente creativos. Mientras las más rankeadas promesas del jazz gozaban de su juventud, como Branford Marsalis por ejemplo, Murray saltó a la escena con una fuerza sobresaliente en el mundo del jazz.
Antes de dedicarse por completo al jazz, dirigió durante breve tiempo algunos grupos aficionados al Rhythm & Blues. Su encuentro a finales de los sesenta con el compositor Stanley Crouch, que entonces dirigía el grupo Black Music Infinit integrado entre otros por Wilbur Morris y James Newton, fue decisivo para el rumbo de su carrera profesional. A través de esa formación contactó con el "Pomona College", una magnifica institución donde estudió piano y sobre todo saxofón. Su actividad se incrementó notablemente y en 1974 interpretó el papel de saxofonista principal en el drama de Stanley Crouch, titulado "The Saxophone Man".
En 1975 se trasladó a New York siguiendo los consejos de Cecil Taylor y allí conoció y tocó con lo mas selecto de la escena neoyorquina del jazz de los años setenta: Oliver Lake, Julius Hemphill y otros músicos asociados al freejazz y componentes por aquella época del "Word Saxophone Quartet", donde él también llegó a codirigirlo en alguna ocasión. En 1979, formó un excelente octeto que comenzó a actuar como versión reducida de su orquesta puesta en pie un año antes. En ese formato, David Murray, encontró la mejor combinación posible entre vanguardia y tradición negra.
Es con la formula del octeto, donde David Murray consigue lo que hasta entonces fue su obra maestra, el el extraordinario álbum: "Hope Scope" grabado para el sello italiano Black Saint en 1987. En este disco aparecen con nitidez sus parejas cualidades como instrumentista y arreglista. En el tenor, combina el timbre robusto y el vibrato de Ben Webster o la avalancha expresiva de Paul Gonsalves. Cuando compone, aparece asimilado el poder de seducción de Duke Ellington o Charles Mingus.
David Murray, es pues uno de esos músicos extraordinarios, capaz de enlazar con perfección la tradición jazzistica con la modernidad y abriendo las puertas del futuro del jazz con una visión enriquecedora del mismo. Lleva grabados a su nombre, mas de cincuenta discos, la mayoría de ellos de excelente factura y con esa fuerza arrolladora que transmite en sus interpretaciones.
El pasado 7 de abril, miércoles, mientras nuestras vidas transcurrían con absoluta normalidad, se apagaba la luz de la vida de la sobresaliente cantante cubana Graciela, quien fuera vocalista y hermana del gran Machito (Francisco Raúl Gutiérrez Grillo : 1912-1984). A sus 94 años, la gran Graciela dijo adiós material a una vida de éxitos y aportes sin lugar a comparación en la historia de la música, desde sus inicios con Machito hasta su período como vocalista de Mario Bauzá, quien fue también su cuñado.
Graciela, con todo su talenmto y su carisma fue una de las primeras que abrió las puertas para el futuro artístico de cantantes de jazz nacidos en América, según Joe Conzo, historiador de la música Latina y el ex gerente de Tito Puente.
Nacida en 1915, Graciela significa simplemente el emprendimiento y el talento artístifcos a flor de piel, no solamente al lado de su querido hermano sino como solista en algunas grabaciones realizadas. Como ya se ha dicho, su participacíón dentro de la Big Band de Mario Bauzá fue tambièn clave para la consolidación de una jazz afrocubano hacia los noventa, cuando la música latina ve llegar su momento de revitalización.
Las noticias relativas a elevar el aporte musical y la presencia señorial de la gran Dama de Cuba, Graciela, siguen dando cuenta de sus trabajos artísticos y de su calidad como persona, una a la que le sobran motivos para alcanzar, qué duda cabe, la inmortalidad artística.
Siempre es bueno escuchar a La Reina del Bolero y este es el mejor pretexto, este bolero que grabara en 1965 y que le pertenece a Luis Demetrio (Luis Demetrio Traconis Molina: 1931 - 2007), maestro compositor de los más clásicos boleros mexicanos.
Aunque es cierto que este bolero fue grabado también en el mismo año por JavierSolís, ha existido siempre una sombra de duda en relación con el destino real del tema en la mente del compositor. Estoy seguro de que el Dr. José Luis Leo, amigo y seguidor de este Blog, sabrá encontrar el deleite suficiente en escuchar este bolero y aportar sobre la historia de su grabación.
Entre los años 1960 y 1961 Luis Demetrio se hizo cargo de la dirección artística de una importante empresa discográfica en México, retirándose de su actividad como compositor con el fin de conocer otra faceta de la industria de la música. Pero la inspiración prevaleció y prefirió regresar a la composición para crear temas como El Día, para Angélica María; Copa de Vino para Olga Guillot; Voy, Si Dios Me Quita la Vida y En tu pelo, para Javier Solís; Bravo para Celia Cruz; y Te Necesito para Carlos Lico, quienes hicieron de ellas grandes éxitos.
Despejada la duda, sin embargo, quedará en mi memoria que se remonta a mis 10años de vida hasta Huacho, específicamente al día en que descibrí la extraordinaria versión de este bolero cuya romántica letra cobrará vida, carne y alma en más de una historia humana, de esas que encontramos en todas partes.
En la entrevista que le hiciera Roy Rivasplata al virtuoso flautista de jazz Dave Valentin hace varios años, recuerdo que se confesó admirador y seguidor de la carrera del maestro Tito Rodríguez. Y eso me enganchó más todavía al músico y a su sensibilidad como artista.
La encuesta del mes de marzo en el Blog ha tenido como ganador, con un estupendo 50% de los votos a este talentoso músico, creador e intuitivo, que ha participado en estos años de toda la movida del jazz latino, su empoderamiento y su despegue. Al lado de los más importantes maestros, como Tito Puente o Arturo Sandoval, Valentin se ha sabido ganar el respeto y sitial que hoy goza con tranquilidad, pero no por ello menos esfuerzo y dedicación.
Nacido el 29 de Abril de 1952, en Brown, New York, de padres originarios de Mayaguez, Puerto rico, Valentín creció rodeado por la música que sus padres escuchaban. Su hogar estaba lleno de los sonidos de Tito Rodr íguez, de Tito Puente, de Machito y de otros. Él prefería más los bongos y las congas desde niño, y desde su temprana adolescencia se incorporó como timbalero en un grupo latino. Tocó con el grupo de nightclubs latinos de la ciudad de New York en el que se conocía como el circuito cuchifritero, por eso de que todos provenían o sus padres eran puertorriqueños.
Valentin fue aceptado en la Escuela Secundaria de Música y Artes de New York donde estudió percusión, pero no fue hasta que tenía 18 de edad, en la Universidad, cuando llegó a ser interesado por la flauta. Una muchacha que Valentín quería conocer tocaba la flauta, y él prestó una flauta y le pidió a ella que le demostrara algunas cosas. Un mes más tarde, él tocaba para ella, pero había llegado a ser tan bueno que ella se puso celosa, y su plan no funcionó. Valentín no consiguió a la muchacha, pero continuó estudiando la flauta con Hubert Laws, un popular flutista de jazz conocido por su técnica clásica, y también con el tocador clásico Hal Bennett. Valentín tocó el saxophone por un algún rato, pero Laws lo convenció a él que dejara el saxophone y que concentrara sus energíes en la flauta.
El crítico Scott Yanow de All Music Guide to Jazz notó que en el lanzamiento de Valentín de 1991, Musical Portraits, era evidente que Valentin "podría convertirse en uno de los mejores flautistas de jazz," pero que hasta ahora él "no había dado todo su potencial." Del lanzamiento de Valentin de 1992, Red Sun, Yanow escribió que Valentín parecía de alguna manera "controlado," a pesar de algunos "momentos apasionados." Y en general, él llamó Red Sun un CD "relativamente agradable."
Su disco más reciente, Come fly with me (High Note: 2006), es una explosión de buen jazz, con elementos marcadamente latinos, mucha percusiòn y el piano inmejorable de Bill O'Connell, quien lo acompaña en este proyecto, además de las primerísimas figuras de Pappo Vasquez, Milton Cardona, Richie Flores y Robbie Ameen.
Acaba de lanzarse la nueva producción de El Gran Combo y ya lo tenemos para ustedes. Se trata de Sin Salsa no hay Paraiso (Sony: 2010) y es un cargamento de rica salsa, que incluye el remake del clásico de 1971, Achilipú, y hasta una típica cumbia colombiana, además de las ya acostumbradas salsas de barrio y de pueblo, como las que vienen produciendo los puertorriqueños más sabrosos desde hace casi 50 años.
A propósito de su nueva placa, a tan solo dos años de las Bodas de Oro, es el momento de repasar la excelente trayectoria de La Universidad, habida cuenta no solo de su indudable incorporación en el gusto popular sino de la participación activa de artistas de talla a lo largo de su existencia, voces y músicos que hicieron en su momento escuela en este Santuario de la Sabrosura, como Andy Montañez, Gilberto Santa Rosa o Roberto Roena.
Este nuevo disco significa, fuera de la plena vigencia de la agrupación y las voces de Jerry, Papo y Charlie, la imposición de nuevos éxitos para la siguiente década, algo que no sólo no descarto sino que asevero, en el comprendido de que la salsa sigue siendo el alimento del pueblo, y esta que es tan nuestra con mayor razón. Propongo prestar especial atención a La espuma y la ola y Alguien que me quite tu amor, temas más que buenos de esta nueva entrega.
Michel Camilo, pianista virtuoso por encima de todo, ejecutante de dotes casi sobrenaturales, y que se auto recrea permanentemente, dueño de una tocada de sensualidad y un excelente buen gusto musical, está de cumpleaños. A propósito de la fecha, descubramos un poco más de su carrera exitos y su aporte innegable al jazz latino.
Un pianista con una técnica brillante y compositor que le da a sus temas ritmos caribeños y armonías de jazz; su composición Why not! se convirtió en un éxito grabado por Paquito D'Rivera en uno de sus álbumes, que fue ganador de un Grammy (1983) en la versión vocal de los Manhattan Transfer. Dominicano de nacimiento, Michel Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall en 1985 con su trío y en 1986 en los festivales europeos como líder. Desde entonces, es un destacado artista que actúa periódicamente en Estados Unidos, El Caribe, Japón y Europa.
Además de sus actividades como compositor y pianista, Michel Camilo ha sido invitado a dar conferencias y actuaciones en numerosas universidades y colegios en Estados Unidos, como por ejemplo New York University, Berklee College of Music (Boston), M.I.T., William Paterson College (Nueva Jersey) y Puerto Rico Conservatory, así como en Dinamarca, España y Suiza.
El lenguaje musical de Michel Camilo denota una interpretación del jazz expresiva y excitante, donde combina los ritmos de su herencia caribeña con un rico e inteligente uso de las texturas armónicas, el jazz y su magnífica técnica al piano. Su música es fundamentalmente jazz, que viene enriquecida por un swing contagioso que refleja su rica personalidad. Sus influencias son amplias, desde Art Tatum, Oscar Peterson y McCoy Tyner -cuya música le llevó al jazz- hasta Chick Corea, Bill Evans, Ahmad Jamal, Sonny Clark, Keith Jarrett y Erroll Garner (que se puede apreciar en sus álbumes). Y, por supuesto, la música clásica -desde Beethoven a Chopin, Debussy o el compositor cubano Ernesto Lecuona. Y todo ello reúne una originalidad que deja el sello inconfundible en cada una de las notas que interpreta o escribe Michel Camilo.
Su discografía, basta y siempre renovada, contiene detalles de cuidadosa selección, y van desde el clásico hasta el flamenco, pasando por el jazz latino, ese que tan bien ejecuta sobre las teclas, como si de piezas corporales se tratara. No en vano mereciò los más encomiados elogios de parte del cineasta y coleccionista Fernando Trueba en el celebrado documental Calle 54.
Caribe, su disco más reciente (Sony: 2009), grabado en vivo en el Anfiteatro Altos de Chavón con acompañamiento de Big Band, sirve para que Michel Camilo recree una vez más algunas de las piezas fundacionales de su fructífera carrera, ademas de entregarnos nuevas propuestas de su más enriquecido jazz latino.
Los músicos que lo acompañan son, entre otros, su ya recurrido contrabajista Anthony Jackson, Michael Mossman, William Cepeda.
La que fuera sin dudas Señora indiscutible de la canción criolla desde los lejanos días de la radio en el Perú, y cuya voz fuera símbolo de dulzura y formidable interpretación, Jesús Vásquez, dejó de existir el día de ayer debido a complicaciones propias de su avanzada edad y al delicado estado de salud en el que el Alzheimer la había postrado desde el año 2007.
Al respecto, la Ministra de la Mujer en comunicación inmediata dio a conocer que los homenajes hacia su recuerdo, dignos de una reina del criollismo, se llevará a cabo hoy domingo 4 de abril desde las 9 de la mañana y hasta las 11 de la noche en el Museo de la Nación. Los restos de la artista nacional serán trasladados este lunes a las 8 de la mañana al municipio de San Miguel, para luego visitar la iglesia de las Nazarenas con rumbo a un camposanto de Huachipa, lugar elegido como su última morada.
La Chola Jesús, como cariñosamente se la conocía, comenzó a cantar guiada por su madre, quien le enseñó estas artes. Pero para ser más precisos ella misma comenta que comenzó a cantar por inspiración divina y que empezó sus pininos artístico en el Colegio de Las Nazarenas, cuya sede estaba ubicada en la calle Gallos. El 3 de febrero de 1939, al inicio de su carrera tuvo su propio espacio en el desaparecido Radio Greleaux, a la edad de 18 años, en dicho espacio interpretaba tres canciones a las 11 de la noche, paradójicamente la Lima de ésas épocas en ese horario dormía plácidamente. Luego de dos meses de trabajo, en abril de ese mismo año es llevada por el empresario chileno Sierralta, quien era el director artístico de Radio Goycochea, que estaba situada en la Avenida Colonial. Se la llevó a su emisora junto al compositor Lucho de la Cuba, que provenía del grupo Los Criollos y le ofrecieron una audición, empezando a cantar por un pago semanal aproximado de 50 centavos. Debido al éxito, las audiciones se efectuaban cada 3 veces a la semana, llegando a hacer espacios en matiné, vermout y noche.
Se podría decir que su consagración vino con su interpretación del vals "El Plebeyo", del maestro Felipe Pinglo Alva, en una invitación para realizar un homenaje al compositor en el Teatro Segura. Gozando ya de la admiración e incrementado en dicho homenaje su popularidad, el compositor Pedro Espinel, la lleva al Centro Musical Felipe Pinglo, que estaba ubicada en los Barrios Altos.
En ése mismo año 1939, la revista La Lira Limeña, organiza un concurso para encontrar una hermosa reina. En dicho concurso los radioescuchas votaban por sus artistas favoritos. Y es el inolvidable 19 de julio de 1939, Jesús Vásquez es ungida en el cine Teatro Apolo del barrio del Chirimoyo, bajo el epíteto de Reina y Señora de la Canción Criolla. Corto tiempo después de tan importante concurso que le incrementó a pasos agigantados la fama. Es contratada para cantar en el cine en la película peruana El gallo de mi galpón, en donde interpretó su ya famoso vals "El Plebeyo". Luego de esa maravillosa experiencia, inicia labores en Radio Nacional, Radio Victoria y Radio Lima, todas ella la querían como figura central de sus emisiones estelares diarias. Vinieron las giras por el interior del país, y luego en el año de 1944 cuando viajó a Buenos Aires, firmando para el sello disquero Odeón, donde bajo la dirección musical del maestro Jorge Huirse, estampara en los discos temas como Todos vuelven, Cholita, Secreto, El plebeyo, No quiero volver a querer, Morropón de San Miguel, entre otros. Luego realizar gira mundial llegando a Chile, Bolivia, Colombia, Venezuela, Centroamérica, Estados Unidos, México, Francia y Australia.
Siguiendo con una breve reseña de los flautistas convocados para la encuesta de marzo, seguimod con el puertorriqueño Néstor Torres.
Néstor Torres (25 de abril de 1957, Mayagüez, Puerto Rico), ha ganado en 2000 el premio Grammy Latino al Mejor Álbum de música instrumental pop por su trabajo This Side of Paradise. Su trabajo, lleno de profunda y motivadora inspiración ha sido definido como el canto propio de la flauta, como fluido puro de sentimiento que brota del instrumento para albergarse en el alma del oyente, versátil, libre, poderoso y genuino.
Este increíble músico, a quien viéramos lucirse como ninguno en el documental sobre el aporte musical de Cachao a la música cubana, reconoce que para alcanzar el éxito que ahora saborea, la verdad no fue de un solo paso sino una sucesión de muchos pasos, a veces dolorosos y a veces placenteros, "necesitas una buena educación, un duro trabajo en tu formación, tener claro el tipo de música que quieres, y cuidarlo mucho, no hay garantía de éxito aunque te prepares, pero lo tendrás mas cerca, y por lo menos siempre obtendrás tu satisfacción personal".
En su nuevo disco, Nouveau Latino (Diamond Light Records:2008), Néstor Torres regresa a sus raíces latinas más creativas, con un nuevo enfoque, una musicalidad impecable e improvisaciones irresistibles.
La estrella del cine y el canto de las décadas del cincuenta y sesenta, Doris Day, quien fuera símbolo de toda una época, cumplea ños el día sábado 3 de abril.
Nacida en Ohio, este año cumple 88 de existencia, recordada por toda su legión de seguidores, admiradores de su belleza, carisma, excelente voz y figura imponente en el plató, tanto en comedias como en dramas o filmes de suspenso, como el clásico de 1956, The Man Who Knew Too Much al lado de Jimmy Stewart, bajo la dirección de Alfred Hitchcock.
En 1985, Day presentó su propio talk show, "Doris Day's Best Friends". El programa saltó a la fama cuando el viejo amigo de la actriz Rock Hudson apareció en su primera emisión. Day se quedó sorprendida por el aspecto demacrado del actor, ya que él siempre había estado en perfectas condiciones físicas. Poco después, se anunció que el actor estaba enfermo de SIDA.
En 1987, fundó la organización "Doris Day Animal League", en la que actualmente dedica la mayor parte de su tiempo.
En 2004 recibió la Medalla Presidencial de la Libertad aunque no acudió a la ceremonia de recepción debido a su miedo a volar. Por esa misma razón, ha rechazado un Oscar Honorífico.
